El esperpento de Valle-Inclán

 

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Valle-Inclán arrastra su propia leyenda, construida por él, por la visión que sus contemporáneos nos proporcionan de su particular comportamiento y, mediante las biografías que se han escrito. La colección definitiva donde coloca sus obras es Opera Omnia, es decir, lo que él considera sus obras completas. En este gran proyecto irá integrando poco a poco las distintas obras sueltas que había ido publicando con anterioridad. La idea en Opera Omnia es proporcionar una ordenación general de su obra, siendo el tomo primero un tratado de estética llamado La lámpara maravillosa, donde hace una introducción estética a su gran proyecto de escritura.

La palabra esperpento no era un término muy usado en la época de Valle, pero se convirtió en un término muy estudiando en el siglo XX y XXI. Vemos que este término no había sido introducido en el diccionario de la academia hasta la edición de 1914, en ella encontramos dos acepciones: “hecho grotesco o desatinado” y  “persona o cosa notable por su fealdad, desaliño o mala raza”. Si vamos a la edición del DRAE de 1970 vemos que se ha añadido una nueva acepción al termino: “género literario creado por Ramón de Valle-Inclán en el que se deforma la realidad recargando sus rasgos grotescos”, pero también se añaden otros términos como esperpéntico. Esto quiere decir que la importancia del esperpento de Valle ha aumentado. En la edición de 2001 se recogen nuevos términos esperpentismo o esperpentizar. ‘Esperpento’ es un término que lo oímos para calificar situaciones desmesuradas y grotescas, vinculadas con el mundo político. Valle-Inclán montó su teoría teatral convirtiendo el esperpento en una de las manifestaciones más influyentes del siglo XX: corresponde a Luces de Bohemia, las tres obras de Martes de Carnaval, compuesta por Las galas del difunto, La hija del capitán y Los cuernos de don Friolera, y un pequeño esperpento llamado ¿Para cuándo son las reclamaciones diplomáticas?

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Los problemas empiezan cuando el término esperpento se fue generalizando para explicar la obra de Valle, pues fue contaminando la calificación de esperpéntico a aquello que tiene una dimensión grotesca. Valle diferenciaba lo grotesco y lo esperpéntico. En Luces de bohemia trata de explicar el género del esperpento a través de sus personajes. En esta obra usa la metáfora de unos espejos, uno cóncavo y otro convexo, que deforman a todo aquel que se pone ante ellos. El teatro entendido como espejo implicaría un reflejo de las costumbres y una intencionalidad de dar un modelo a las costumbres. Estas representaciones pretenden ser criticadas, así se modificarán las costumbres. Para la Valle-Inclán, la vida española solo puede ser representada mediante estas imágenes grotescas.

«Los héroes clásicos reflejados en los espejos cóncavos dan el Esperpento. El sentido trágico de la vida española sólo puede darse con una estética sistemáticamente deformada» Max Estrella

Valle-Inclán toma como referentes a Cervantes, Quevedo a Goya. Si nos detenemos en la obra de este último, vemos que es sus Caprichos y en sus Disparates aparecen varios personajes que se miran ante un espejo y ven una deformación de la realidad. Por ejemplo, un petimetre ve a un mono reflejado, una petimetre ve a una serpiente, un alguacil visto como un gato, etc. Ante estas deformaciones hay una intención satírica, tanto en el caso de Goya como en el de Valle-Inclán. El esperpento tiene una finalidad moralista. La representación grotesca de las costumbres españolas no es un divertimento, sino que forma parte de una postura personal de escritor cada vez más comprometido, que le preocupa la situación española. A través de su literatura intenta contribuir mediante la risa en influir en sus espectadores a cambiar las costumbres. Esta estética del esperpento donde la deformación es sistemática da a un tipo de arte más comprometido, el llamado arte social.

Grabados de Goya

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El niño que no quería crecer

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James Matthew Barrie es un novelista y dramaturgo británico conocido por su obra teatral Peter Pan and Wendy, estrenada en 1904 en Londres. La infancia de Barrie fue dura, cuando tenía 6 años murió su hermano David. Este hecho conmocionó a la familia, su madre nunca asumió la muerte de David. Conforme pasaban los años y James crecían, su estatura apenas variaba, siendo adulto media poco más de metro y medio. La obra que hoy estamos tratando tuvo tanto éxito que dio nombre a su síndrome heterónimo que ya se comentó en nuestro blog:

https://palabrasenmascaradas.wordpress.com/2015/11/03/sindromes-literarios/

En Peter Pan y Wendy se cuenta la historia del niño que no crece, Peter Pan, y las aventuras que vive en el País de Nunca Jamás, junto con Wendy, John, Michael, el hada Campanilla, los Niños Perdidos, y el malvado Capitán Garfio.

En la obra se contraponen dos mundos, el primero protagonizado por la familia Darling, compuesta por una niña, Wendy, que ha asumido el papel de ‘madre’ cuidando a sus hermanos pequeños John y Michael. Los padres se llaman George y Mary Darling, también tienen una perra llamada Nana. Representan la típica familia victoriana de la época. El otro mundo es el protagonizado por Peter Pan y Campanilla, un mundo de fantasía ambientado en el País de Nunca Jamás. Es un lugar envuelto por la magia.

A su vez, se contraponen dos actitudes. La primera es la de Wendy, una actitud responsabltumblr_nmfaxrWkmc1tvs289o1_1280.pnge y maternal. Cuando Peter le dice que la acompañe a Nunca Jamás para contarles cuentos a los Niños Perdidos, Wendy no olvida en ningún momento la responsabilidad de cuidar a sus hermanos, no accede si no van sus hermanos con ella. Es la única que acaba asumiendo su papel de adulta, asume su madurez y vuelve a Londres. Por otro lado, tenemos la a Peter Pan, el niño maravilloso, el que no quiere crecer, el que no asume el paso del tiempo.  Estos dos personajes nos muestran el tema principal de la película, el tema el paso del tiempo y la madurez que eso conlleva.

Esta famosa historia ha dejado muchas huellas en la actualidad gracias a su éxito. Muchos empresarios, entre ellos Steve Jobs, tomaron el lema “si puedes pensarlo, puedes hacerlo”. El nombre Wendy, hasta el momento minoritario y considerado extraño, se volvió muy popular en Londres.

Peter Pan por Walt Disney

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La famosa compañía Walt Disney llevó a la gran pantalla la historia de Barrie en 1953. La producción de esta película animada está llena de curiosidades. La escena de las sirenas y la del rinoceronte supusieron un aporta para las películas de La sirenita y El Rey León. El capitán garfio fue inspirado en Henry Brandon y se le puso el garfio en la mano izquierda, al contrario que en la obra de Barrie, para no limitar la acción.

Es interesante la relación que guarda con la película Alicia en el País de las Maravillas, de la misma compañía. La melodía de la canción que suena en Peter Pan titulada ‘The Second Star to the Right’ fue escrita originalmente para la película de Alicia en el País de las Maravillas. Wnedy y Alicia poseen rasgos faciales y físicos idénticos, de hechom, en el doblaje estadounidense e hispano fueron las mismas actrices las que dieron voz a las niñas, Kathryn Beaumont y Teresita Escobar.

Descubriendo nunca jamás

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Es una película de 2004 dirigida por Marc Forster. Cuenta la experiencia de J. M. Barrie escribiendo su obra teatral Peter Pan. El papel de Barrie es interpretado por un actor que le va como anillo al dedo, Johnny Deep.

En el parque Barrie conoce a la familia de Sylvia Llewelyn Davies, la cual tiene cuatro hijos llamados Peter, Jack, George y Michael. Pasa el verano con esta familia creando grandes amistades con los pequeños, a excepción de Peter. El final trágico y simbólico aleja a la película del público infantil.

“El tiempo nos acaba dando caza a todos”

La Representación de los Reyes Magos

Como ya os adelantamos en nuestra entrada anterior, https://palabrasenmascaradas.wordpress.com/2016/01/02/el-villancico/, y con motivo de la festividad del día 6 de enero, hemos pensado que sería interesante hablar de una de las representaciones teatrales más antiguas que conocemos en el mundo hispánico. Para comenzar, me gustaría realizar una breve introducción al teatro medieval y, a continuación, explicaré los símbolos de la obra en cuestión.

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En la Edad Media, existían diversas formas de teatralidad como el gesto, el baile o la danza. Eran funciones sencillas que se representaban en lugares como la iglesia, las plazas o los espacios cortesanos, no existían lugares específicos para las representaciones teatrales. El texto era escaso y carecía de normas, por ello, para algunos críticos, no se trataba de teatro propiamente dicho. Sin embargo, podemos hablar de representaciones primitivas, más o menos elaboradas, que existieron en época medieval. Hasta el siglo XV, solo contamos con el testimonio de la Representación de los Reyes Magos, aunque tenemos datos y noticias acerca de ciertas formas de espectáculos teatrales. Por influencia de la iglesia, el teatro clásico que existía anteriormente se encontraba en decadencia. Los más cultos recordaban a Plauto y Terencio en círculos restringidos, fundamentalmente universitarios, a diferencia del resto del pueblo que se quedaría al margen. La pérdida de la tradición clásica fue tan grande que, con el tiempo, se perdería la idea de qué era el teatro y se creía que eran plazas en las que los antiguos celebraban fiestas y banquetes. A pesar de esto, sabemos que comenzó a desarrollarse un teatro litúrgico que nace en las iglesias y está vinculado a festividades religiosas.

Auto de los Reyes Magos

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En Castilla, aparece un testimonio de estas representaciones que es la Representación de los Reyes Magos, siglos XII-XIII aproximadamente. Se trata de un manuscrito compuesto por 147 versos polimétricos. Es un texto fundamental para la historia de la literatura porque es el primer texto teatral en lengua romance, además, posee rimas bastante anómalas en castellano, motivo por el que se cree que esta no era la lengua materna del autor. El nacimiento de esta obra se vincula a la ciudad de Toledo porque, en ella, existía un gran plurilingüismo y esto explicaría la utilización de términos en árabe. La coexistencia de las culturas árabe, judía y cristiana propició la aparición de este tipo de obras.

La obra comienza con un monólogo en el que los Reyes Magos (Melchor, Gaspar y Baltasar) cuentan que han visto una estrella desconocida, creen que esto puede ser una señal del nacimiento del mesías y, por ello, deciden seguirla. Antes de emprender su camino, se detienen en el palacio de Herodes y le narran lo sucedido, este les dice que sigan la estrella aunque se muestra descontento ante la noticia del nacimiento. La obra finaliza con el desconcierto y el miedo de los sabios de la corte de Herodes, puesto que se ha producido un acontecimiento del que no tenían ninguna noticia.  Se cree que el texto podría estar incompleto porque no aparece la escena de la adoración, sin embargo, esto es algo que se podía representar sin necesidad de escribirlo, como consecuencia, no podemos tener la certeza de que el texto que tenemos este completo.

Símbolos

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Uno de los elementos más simbólicos e importantes de esta representación es, sin duda, la estrella. La estrella abre la obra, nos indica que se va a producir un acontecimiento importante, es la guía de los tres reyes. Su aparición supone una sorpresa, la primera palabra utilizada en relación con la estrella es la de ‘maravilla’, que en el léxico medieval significa milagro. Los personajes discuten sobre la procedencia de la misma y, al no saber su procedencia, llegan a la conclusión de que se trata de un milagro, de una anunciación, de la llegada de un nuevo ser encargado de iluminar al mundo. Los tres reyes obsequiarán a este niño con: oro, incienso y mirra, que simbolizan lo terrenal, lo celestial y lo humano respectivamente. Como vemos, cada regalo posee una gran carga simbólica, la estrella es el eje central de la obra y simboliza el paso del tiempo.

Por otro lado, tenemos que destacar la importancia de los personajes, según el simbolismo teológico, el número tres representa la trinidad. Además, es importante señalar que los reyes en su conjunto simbolizan las tres edades del hombre: juventud, madurez y vejez. Esto lo vemos en su apariencia física: por un lado, tenemos a un rey de barba blanca que estaría representando la vejez; por otro, encontramos un rey de barba de color, símbolo de madurez; finalmente, el último rey es imberbe, es decir, está representando la juventud. La barba es la clave interpretativa de este simbolismo.

Espero que os haya gustado nuestra pequeña aportación relacionada con las fiestas navideñas.

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El barbero diabólico de la calle Fleet

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Hoy os traigo una de las leyendas más conocidas y macabras de Londres, la leyenda de Sweeney Todd. Vamos a trasladarnos al Londres de los siglos XVIII y XIX, la ciudad era peligrosa y existían muchas enfermedades, el riesgo de contagio era muy grande, especialmente, para los más desfavorecidos. Cuenta la leyenda que Benjamin Barker era el hijo de un trabajador de la seda que tenía problemas con el alcohol, el pequeño Benjamin tuvo que comenzar a trabajar muy pronto y a la edad de 13 años sus padres desaparecieron en misteriosas condiciones. El joven huérfano se vio obligado a delinquir para subsistir y esto le llevaría a pasar 15 años en la prisión de Newgate. Allí, aprendió el oficio de barbero, a diferencia de la actualidad, los barberos de la época tenían conocimientos de anatomía y podían realizar algunas operaciones quirúrgicas. Al salir de prisión, Barker adoptó el nombre de Sweeney Todd y montó una barbería en la calle Fleet. Durante un tiempo comenzó a desaparecer gente de la ciudad en circunstancias extrañas, las personas desaparecidas pertenecían a la aristocracia; Sweeney, durante su estancia en prisión, había desarrollado un gran odio hacia la alta sociedad londinense. Durante años, el barbero se dedicó a degollar aristócratas en su barbería pero, no lo hacía solo, sino que contaba con la ayuda de su amante Margery Lovett. Gracias a ella, Sweeney pudo perfeccionar sus crímenes, juntos montaron una tienda de pasteles de carne que conectaba con la barbería por un subterráneo en el que guardaban los cadáveres. La pastelería de la señora Lovett era todo un éxito y numerosos clientes se aproximaban día tras día a probar sus deliciosos pasteles de carne, lo que nadie sabía es que la carne utilizada provenía de las víctimas de Todd. Años después, la policía londinense descubrió las atrocidades de la pareja, la señora Lovett se suicidó antes de ser juzgada y el señor Todd fue condenado a muerte. Se le atribuyen alrededor de 160 asesinatos.

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Actualmente, no se ha podido comprobar si estos hechos son ciertos, carecemos de pruebas fotográficas del barbero pero, gracias a unos viejos archivos de la prensa inglesa tenemos una pequeña descripción: pelirrojo, pálido y de rasgos atemorizantes. Existen otras teorías sobre Sweeney Todd, hay quienes afirman que nunca existió, quienes dicen que no fue capturado o que la prensa de la época exageró los acontecimientos. Sea real o no, la leyenda de Sweeney Todd es una de las más productivas de la historia pues ha dado lugar  a varias obras literarias, un musical y hasta se ha llevado al cine.

The String Pearls: A Romance

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Es la primera publicación literaria que tenemos del barbero diabólico, apareció en la revista The People’s Periodical and Family Library dividida en 18 partes que se fueron publicando semanalmente. Probablemente fue escrito por Thomas Prest que, además, buscaba su inspiración en sucesos publicados en el periódico The Times y, por tanto, sus historias tenían una base real. The String of Pearls es, en realidad, lo que se conoce como ‘Penny dreadfuls’, es decir, novelas de baja categoría que trataban temas violentos y gore. Sin embargo, en la época mucha gente se enganchaba a estas historias y estaba pendiente de sus publicaciones.

Teatro y Literatura

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La leyenda de Sweeney Todd se volvió tan popular que inspiró la obra teatral de Christopher Bond Sweeney Todd, the Demon Barber of Fleet Street (1970) y esta, a su vez, fue la utilizada por Stephen Sondheim para su adaptación al musical estrenado en Broadway en 1979. El musical gozó de gran aceptación y recibió numerosos premios. Además, antes de estas adaptaciones, en 1936 George King dirigió una película inspirada en esta historia, protagonizada por Tod Slaughter y titulada Sweeney Todd, the Demon Barber of Fleet Street.

Adaptación cinematográfica de 2007

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La versión más reciente que tenemos del barbero diabólico es la adaptación cinematográfica de 2007 realizada por Tim Burton. Esta película toma las canciones compuestas por Sondheim y las lleva al cine de la mano de actores como: Johnny Depp (Sweeney Todd), Helena Bonham Carter (la señora Lovett) y Alan Rickman (juez Turpin). La trama es similar a la que contaba la leyenda original; sin embargo, en esta historia Benjamin Barker era barbero antes de ser encarcelado injustamente. El juez Turpin estaba enamorado de la esposa de Barker y ordena condenar al barbero a trabajos forzosos en Australia durante 15 años, la acusación es falsa y Barker jura vengarse. Mientras, Turpin se aprovecha de la mujer de Benjamin y encierra a su hija. Años después, Barker regresa a Londres bajo el nombre de Sweeney Todd, conocerá a la señora Lovett y juntos emprenderán su atroz aventura.

Una vez más, vemos como de una pequeña leyenda popular, que a día de hoy todavía no ha podido demostrarse su veracidad, surgen diversas obras tanto literarias, como cinematográficas o musicales. A veces, la realidad supera a la ficción y, aunque no sabemos si Todd existió realmente, lo cierto es que la literatura no deja de alimentarse de la cultura popular.

“No, nada de Barker. Ese hombre ha muerto. Ahora soy Todd. Sweeney Todd. Y se hará venganza”.