Homenaje a Alan Rickman

 

Como bien sabréis, en este mes de enero nos dejaron, a causa del cáncer, David Bowie y Alan Rickman. Al primero de estos ya le rendimos tributo, si todavía no lo habéis leído aquí tenéis el enlace:

https://palabrasenmascaradas.wordpress.com/2016/01/30/homenaje-a-david-bowie/

Alan Rickman

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Fue un camaleónico actor británico, que no solo interpretó brillantes papeles como personaje antagónico, sino que también destacó en roles cómicos como en Héroes fuera de órbita. La clave de Rickman era el perfeccionismo, no le gustaba ver sus propias películas porque era muy autocrítico. Como director cinematográfico nos dejó A Little Chaos y The Winter Guest.

Entró en la Real Academia de Actores gracias a la interpretación de un pasaje de Ricardo III de William Shakespeare. A partir de entonces inició una brillante carrera como actor, con trabajos como la película Rasputín, gracias a la que recibió el Globo de Oro a mejor actor. Entre sus películas están Robin Hood, príncipe de los ladrones, Love Actually, Something the Lord Made, El perfume y todas las entregas de la saga de Harry Potter, basada en las novelas de J. K. Rowling. También participó en la película de Tim Burton Sweeney Todd, de la que ya hemos hablado en nuestro blog, os dejamos el enlace por si os interesa:

https://palabrasenmascaradas.wordpress.com/2015/10/26/el-barbero-diabolico-de-la-calle-fleet/

Ha muerto sin llegar a ver el resultado de su último trabajo, la voz de la oruga que aparece en Alicia a través del espejo, que se estrenará este año.

Homenaje en The Simpsons

Su papel en Harry Potter, Severus Snape.

La escritora de Harry Potter, J.K Rowling, quiso desde el primer momento que Alan Rickman interpretase el papel de Severus Snape, siendo así, el único actor que conocía el verdadero destino de su personaje desde el primer momento.

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Snape es un personaje realmente odiado y temido por los alumnos de Hogwarts, por lo menos en los seis primeros libros, sin embargo, todo esto cambia al conocer su pasado. A lo largo de la saga van apareciendo recuerdos de Severus, gracias a los que sabemos que se había criado en un hogar violento. Era hijo de Eileen Prince, una sangre pura, y un muggle llamado Tobías Snape. Durante su estancia en Hogwarts usa el apodo de El Príncipe Mestizo, una mezcla del apellido de su madre y su sangre mestiza lo convierten en el único Half-Blood Prince. Esto se descubre cuando Harry usa un libro de pociones firmado por Severus con este curioso apodo.

Durante su infancia conoció a Lily, de la que fue gran amigo y por la que acabó enamorado. Esta relación se fue enfriando con la entrada a Hogwarts, pues cada uno pertenecía a una casa diferente y no aceptaban los amigos del otro. El punto de inflexión en esta relación se da cuando llama a Lily ‘sangre sucia’, por lo que se rompió definitivamente la amistad. El amor que sentía por Lily y su carácter solitario hicieron que no fuese muy popular y querido en la famosa escuela de magia y hechicería.

El hecho de que un personaje se vea influenciado por su pasado y que vaya evolucionado es algo que hoy en día no nos sorprende, sin embargo, en los principios de la literatura solo existían personajes maniqueos, planos, que no evolucionaban y que eran prototípicos (el héroe caballeresco, la dama en apuros, el villano, etc). Todo se dividía en buenos y malos. Rickman encarna a un personaje que no es lo que aparenta, su amor por Lily puede más que su aparente maldad, es realmente leal y bueno. No hay que olvidar que uno de los actos que más terribles parecen, el lanzamiento del hechizo ‘Avada Kedavra’ a Dumbeldore, no es más que una muestra de lealtad, pues Dumbeldore se lo había pedido porque tenía una enfermedad.

La propia J. K. Rowling puso el siguiente tuit sobre este personaje: “Snape died for Harry out of love for Lily. Harry paid him tribute in forgiveness and gratitude”. Gracias a Alan Rickman, todos los lectores de la saga Harry Potter han acabado queriendo a Severus Snape, un personaje redondo que evoluciona a lo largo de la historia, demostrándonos que no podemos quedarnos con las apariencias, pues, para mí, es el personaje con  mayor corazón de toda la saga. La brillante interpretación de Rickman hace que lo odiemos durante las primeras películas, pero que se nos encoja el corazón cuando se conoce su verdadera historia. Una historia, un pasado, que justifica cada uno de sus gestos.

Alan Rickman ha sido el actor perfecto para un personaje sobrecogedor, para un personaje que nos acaba sorprendiendo a todos.

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La moneda en el suelo

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Ildefonso-Manuel Gil es un hombre importante y muy valorado de la literatura aragonesa: en 1992 recibió el Premio Aragón de las letras, en 1982 le concedieron la Medalla de Oro de Zaragoza, en 1996 se le nombró Aragonés de Honor y en 2000 recibió la Medalla de Honor de la Institución «Fernando el Católico». Pero no sólo fue reconocido en Aragón, también en el extranjero, por ejemplo, en 1993 se le entregó la Medalla de Santa Isabel de Portugal de la D.P.Z. De Ildefonso-Manuel Gil destaca su poesía calificada como pura y comprometida. Sus primeros libros de poemas son Borradores (1931) y La voz cálida (1934). Continuó su obra con Poemas del dolor antiguo (1945), Homenaje a Goya (1946), El tiempo recobrado (1950), El incurable (1957), Los Poemas del tiempo y del poema (1973) y Por no decir adiós (1999). El interés por su poesía se recoge en numerosas antologías y estudios como los realizados por Rosario Hiriart o Manuel Hernández Martínez, entre otros. Algo menos estudiada ha sido su narrativa. De 1945 es la redacción de su novela La moneda en el suelo (1951) que recibió el Premio Internacional de Primera Novela en el año 1950.

La moneda en el suelo se enmarca en la época de la posguerra española, momento en el que aparecen las llamadas novelas sociales. Combinan el tremendismo, el existencialismo y el realismo. Se caracterizan por la denuncia social reflejada en el gran personaje que es la sociedad. Se hace un testimonio indirecto y metafórico de la desesperanza existencialista que nos muestra Carlos, y que también posee brochazos de lo que posteriormente se llamará tremendismo.

La figura de Carlos Serón va evolucionando a lo largo de la obra y los sucesos que se van dando influyen en su personalidad, por lo que se pude decir que es un personaje complejo. En las primeras páginas de su diario nos cuenta su juventud, decidiendo saltarse su infancia por carecer de importancia. Habiendo decidido saltarse su infancia, Carlos nos narra los primeros momentos de su juventud y de su noviazgo con Julia. En esta etapa de su vida Carlos es un hombre soñador y con grandes metas en la vida. Gracias a la ayuda de su amigo Luis Arias obtiene una beca con la que se va a Argentina durante un año. Durante este viaje Carlos y Julia se escribían cartas a diario, los días pasaban y transcurrían con normalidad. Pero un día Carlos tiene un accidente automovilístico. El accidente es el punto de inflexión de la novela, el momento más trascendente e influyente en Carlos, y por tanto, también influye en su psicología y en la forma de narrar el resto de su vida. Tras el accidente Carlos se despierta en un hospital sin recordar que ha pasado y sin entender que hace allí. Carlos estará varios días en el hospital con las manos vendadas, y aunque se lo espera, no sabe a ciencia cierta que no podrá volver a tocar nunca más el violín. Los días en el hospital se hacen más amenos gracias a Magdalena, la enfermera que le cuida y le lee libros para que no se aburra. Los días juntos hacen que Carlos se olvide del problema de sus manos vendadas e incluso de su novia Julia, aunque más tarde se entera de que Julia se va a casar con otro hombre en España. Finalmente, los médicos deciden quitarle las vendas de sus manos y contarle a Carlos lo que le había sucedido y lo que esto iba a cambiar su día a día. De un instante a otro Carlos se había quedado sin las dos cosas en torno a las cuales giraba su vida, por un lado, Julia le había abandonado sin dar explicaciones, y por el otro, había acabado su carrera como violinista.

Los días que pasa con Magdalena sus dulces y maravillosos, ella le ayuda a rehacer su vida. Gracias a ella Carlos ve la luz al final del túnel. Acaban cansándose y Carlos consigue un trabajo como crítico musical. Este proceso no ha sido nada fácil, en un principio no quería volver a escuchar música porque le producía tristeza, pero gracias a Magdalena consigue superarlo. Le gusta esa vida monótona en la que Magdalena le ha sumergido, sin embargo, el trabajo como crítico musical no le satisface por completo, obviamente hay una frustración por criticar lo que a él le gustaría haber hecho, tocar el violín. Este trabajo lo realiza son ganas, sin relacionarse con su compañero, y con un comportamiento algo reacio. Esta faceta de Carlos es diferente a la que tiene cuando esta con Magdalena, con la que es más sociable y amable. Un día Magdalena sufre un parto prematuro y en cuanto Carlos se entera acude rápidamente a casa. Al verla en la cama pálida ya  punto de morir Carlos se da cuenta de lo que esta pérdida supone para él.

Y hasta aquí puedo leer, pues no quiero destriparos el final, pues es una novela muy interesante que recomiendo que os leáis. Sin ánimo de hacer un spoiler, me gustaría hacer un giño sobre el final, a ver si os termino de convencer de su lectura. Para mí, hace honor al título adjudicado por Gil. En el último momento Carlos debe tomar una decisión importante en su vida, esta decisión puede cambiar su futuro de forma radical, al igual que cambia tu suerte cuando tiras una moneda al aire, y en el momento que toca el suelo sabes si has ganado o has perdido la partida.

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Podemos ver en estas vivencias de Carlos Serón una serie de vaivenes que acaban llevándole a la autodestrucción, cada vez que intenta tomar buenas decisiones y alejarse de la mala suerte que le persigue acaba obteniendo el resultado contrario. Comienza siendo un joven violinista prometedor y con gran futuro, y acaba siendo un hombre frustrado y fracasado que no ha conseguido alcanzar ninguna de sus metas. Como vemos, la historia de Carlos Serón guarda muchas similitudes con la historia, ya comentada, sobre Gatsby:

https://palabrasenmascaradas.wordpress.com/2015/12/25/el-gran-gatsby/

Tanto Ildefonso-Manuel Gil como Fitzgerald vivieron una época difícil de posguerra que se vio reflejada en su literatura, ya sea la Guerra Mundial o la Guerra Civil española.Los dos protagonistas de dichas novelas, Carlos Serón y Gatsby, tienen un gran sueño, grandes metas para su vida. Ambos ven sus sueños truncados en cierto momento de la novela, el caso de Carlos Serón es mucho más traumático, la deformación de sus manos rompe en mil pedazos su sueño. No solo pasa por una frustración de su sueño de ser violinista sino que tampoco acaba teniendo un buen trabajo. El caso de Gatby es igual de frustrante, su vida como magnate acaba resultando una farsa descubierta por todos y carga con las culpas de un accidente de coche del que no era culpable. Del mismo modo, ambos personajes pasan por una relación toxica que no lleva a ningún lado, Julia y Daisy son detonantes para que sus vidas vayan a peor.

Big Fish: A Novel of Mythic Proportions

“Hay algunos peces que no pueden ser atrapados. No es que sean más rápidos o más fuertes que otros peces. Solo están tocados por algo especial”.

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Hoy vamos a hablar de una novela que, probablemente, es más conocida por su adaptación cinematográfica que por sí misma. No mucha gente sabe que la película dirigida por Tim Burton en 2003 y protagonizada por Ewan McGregor es, en realidad, la versión para la gran pantalla de la novela principal-daniel-wallace_grandehomónima de Daniel Wallace. Big Fish: A Novel of Mythic Proportions se publicó por primera vez en Estados Unidos en 1998, su autor es Daniel Wallace, escritor estadounidense nacido en 1959 y padre de títulos como: Mr. Sebastian and the Negro Magician, Off the Map o El rey de la sandía. Además de su labor como escritor, trabaja en la Universidad de
Carolina del Norte donde es profesor del departamento de inglés. Como curiosidad, me gustaría indicar que en sus obras suelen aparecer referencias a ojos de cristal y es que, según el propio Wallace, tiene una colección de ojos de cristal. En Big Fish veremos una clara alusión a ellos.

Big Fish es una novela diferente, que indaga en la relación de un padre y un hijo, mezcla elementos de la vida cotidiana con elementos fantásticos, es agradable, sencilla y cercana pero, al mismo tiempo, nos invita a reflexionar y analizar aspectos de nuestra propia vida. Es una novelaBigfishnovel joven, de finales del siglo XX, que no pasa desapercibida; ya el título nos advierte que es algo poco convencional y que, a pesar de su brevedad, posee unas dimensiones extraordinarias. Es como una gran ensalada, con alimentos muy diferentes pero que encajan a la perfección, fantasía y verdad son los principales ingredientes de esta novela. Breve, de título grande, fantástica pero real, pequeña y grande al mismo tiempo… todo parece contradictorio en Big Fish y, sin embargo, está muy bien acoplado. No podemos decir que estemos ante una de las mejores obras literarias de los últimos tiempos pero, en mi opinión, merece una o varias lecturas. La obra se divide en diversos capítulos que, aparentemente, no están ordenados cronológicamente, los protagonistas son: Edward Bloom, el padre; y William Bloom, el hijo. La trama no es lineal, pero las distintas historias que se van contando a lo largo de los diferentes capítulos dibujan la vida de Edward. En la película, por el contrario, se han ordenado estas historias, de esta forma, no nos resulta tan extraña. Una de las principales diferencias con su hermana cinematográfica la encontramos en el papel de William, en la película de Burton, es un personaje que no tiene una buena relación con su padre, vive en Francia junto a su mujer y, al enterarse de que su padre está gravemente enfermo, viaja a Estados Unidos para visitarlo; su padre, Edward, es un hombre que cuenta historias extraordinarias sobre su vida, este fue el detonante de la ruptura con su hijo porque Will desea saber la verdad sobre la vida de su padre. En el libro, no aparece el personaje de la mujer y Will tiene una buena relación con Edward.

“Hay momentos en los que un hombre tiene que luchar y hay momentos en los que debe aceptar que ha perdido su destino, que el barco ha zarpado, que solo un iluso seguiría insistiendo. Lo cierto es que siempre he sido un iluso”.

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“Los peces más grandes del río son de esa manera porque nunca fueron atrapados”.

En mi opinión, ambas versiones son buenas, y pienso que hay historias y personajes añadidos en la película que son un gran acierto. La de Burton no es una mala adaptación, aunque es cierto que presenta bastantes diferencias con el libro pero, como sabemos, esto es algo habitual cuando se intenta trasladar una obra literaria a la gran pantalla. Por tanto, mi recomendación es que, si os animáis, veáis la película y leáis el libro. Otro de los aciertos de la película es que la trama se centra más en el personaje de Edward. Edward es como un iceberg para su hijo, siempre cuenta historias increíbles sobre su vida pero nunca cuenta la verdad, poco a poco, Will tratará de comprender a su padre, se irá acercando a esa verdad que tanto busca, y comprobará que algunas de las locas historias de Edward tienen parte de verdad. Edward no inventa sus historias de la nada, simplemente, narra los acontecimientos de su vida de una forma diferente, subjetiva y fantasiosa; es un pez grande, siempre lo ha sido. A continuación, voy a exponer algunos aspectos que me han parecido interesantes de la obra (tanto de la película como del libro).

“Si se guarda en un pequeño recipiente, el pez permanecerá pequeño; si tiene más espacio puede doblar, triplicar o cuadruplicar su tamaño”.

En realidad, Big Fish es una obra cargada de simbolismo, Edward es un pez grande en su ciudad natal, Ashton, sin embargo, siente que está destinado a cosas todavía más grandes. Ya en la infancia, Edward sufre de una extraña condición que le hace crecer demasiado deprisa y se ve obligado a estar en una cama conectado a unos aparatos que regulan su crecimiento. Un día, lee una descripción sobre un tipo de pez que, dependiendo del tamaño de su pecera, crecerá más o menos. Esto es una metáfora a la propia vida del protagonista, él puede alcanzar todo lo que se proponga y, por tanto, quiere crecer todo lo posible, alcanzar la grandeza y, para ello, deberá salir de su pecera. El río por el que nada el pez es el río de la vida, la libertad de poder nadar a sus anchas y eso es lo que ansía Bloom. Hemos hablado antes de la afición que tiene Wallace por los ojos de cristal, bien, en la obra, aparece un personaje fundamental para entender la vida del protagonista, una bruja con un ojo de cristal que si lo miras puedes ver en él cómo morirás. Edward va a visitar a la bruja junto a otros niños, ve su muerte en el ojo y esto le ayudará a superar todos los obstáculos de su vida. En momentos de ansiedad y peligro en su vida adolescente y adulta, recuerda que vio su muerte en el ojo y se dice a sí mismo que así no es como muere, esto le da fuerzas para seguir continuando y enfrentarse al peligro sin miedo a morir.

“Este pueblo es más de lo que podría soñar cualquiera, y si al final acabara aquí me consideraría afortunado, pero la verdad es que aún no estoy preparado para acabar en ninguna parte”.

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Las localizaciones son fundamentales para el entendimiento de la obra, Edward es de un pequeño pueblo llamado Ashton, lugar que, como hemos visto, es una pecera para él, sus aspiraciones son más grandes y allí no las puede realizar. Sin embargo, Ashton es también un lugar de confort, en él, es un pez grande, una celebridad local pero Bloom decide marcharse. Otro de los pueblos que aparecen es Espectro, reconozco que cuando vi la película por primera vez me quedé maravillada con ese lugar, todos sus habitantes descalzos, felices, sin preocupaciones ni problemas, viviendo en la más absoluta armonía, un lugar idílico y utópico… Sin embargo, Edward no quiere quedarse, ¿por qué? Porque igual que Ashton es una zona de confort, en Espectro, no existen las preocupaciones pero tampoco puedes tener aspiraciones. Hay un personaje, Norther Winslow, famoso poeta de Ashton que termina en Espectro, que igual que Bloom, huyó de su pueblo en busca de nuevas metas y retos personales, a pesar de ello, llegó a Espectro donde se quedó pero no consiguió escribir ni una sola poesía más. ¿Por qué se quitan los zapatos los habitantes de Espectro? Porque una vez llegas a la meta no necesitas caminar más, es decir, cuando acabas de trazar el camino de tu vida y te sientes realizado puedes sentarte y descansar. Por ello, Edward se niega a quedarse, tiene mucho camino por recorrer y, aunque no le importaría acabar su vida allí, siente que todavía no ha llegado el momento. Algo falta en la vida de Edward, está buscando algo pero no sabe qué es, ha salido de Ashton para realizar grandes cosas pero todavía no encuentra su objetivo… Hay un detalle importante en Espectro y es que, en el río del pueblo, Edward ve a una mujer desnuda bañándose pero, Jenny, una niña de Espectro, le dice que no es una mujer, sino un pez y que cambia de forma según quién lo mira. Esto es una pista para lo que será el próximo objetivo de Bloom, encontrar a la mujer de su vida.

“Eras un pez grande en un estanque pequeño, esto es el océano y te estás ahogando. Sigue mi consejo y vuelve a Villacharca. Allí serás feliz”.

Big Fish nos regala grandes lecciones de vida, la relación padre-hijo es realmente extraordinaria, nos enseña que no debemos juzgar a las personas porque, en realidad, no sabemos qué situaciones han tenido que vivir. Edward es un personaje que narra su vida a su manera pero no por ello tiene que ser todo mentira, al final, vemos que sus historias poseen un trasfondo real, sin embargo, él las embellece y esas historias le hacen inmortal. En algunas ocasiones, Edward puede parecer un hombre descuidado, que no se preocupa mucho por su familia, pues solía ausentarse bastante, a pesar de ello, vemos que quiere a su familia y que lucha por ellos. El amor es uno de los grandes motores de su vida, sus aventuras para llegar al corazón de Sandra son tan asombrosas como románticas. En definitiva, estamos ante una especie de fábula contemporánea, con sorprendentes historias y moralejas, personajes cotidianos y fantásticos que no deja indiferente a nadie.

“Un hombre cuenta sus historias tantas veces que al final él mismo se convierte en esas historias. Siguen viviendo cuando él ya no está. De esta forma, el hombre se hace inmortal”.

El Gran Gatsby

“Era mejor de lo que él mismo sabía. Real y literariamente, inventó una generación.” New York Times

Francis Scott Key Fitzgerald fue un novelista estadounidense perteneciente a la Generación Perdida. En sus obras retrata a la perfección el ambiente de la alta sociedad estadounidense.

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Su vida, como la de muchos jóvenes de la época, se vio interrumpida por la Primera Guerra Mundial. Su temprano interés por escribir y su miedo a morir en la guerra hicieron que escribiese su primera novela rápidamente para dejar un legado antes de marcharse. Sin embargo, los editores rechazaron dicha novela. En Camp Sheridan, Fitzgerald conoció a Zelda, con la que rápidamente se prometió y se fueron a vivir juntos. Enseguida, se dio cuenta de que las novelas no le aportaban suficientes ingresos, no podía mantener el estilo de vida opulento que deseaba, así que, decidió escribir historias cortas para revistas y vendió a Hollywood los derechos de autor para realizar películas basadas en su producción. Escribió cinco novelas y numerosas historias breves, las novelas más destacadas son A este lado del paraíso (1920),   El gran Gatsby (1925) y Suave es la noche (1934).

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El Gran Gatsby cuenta la historia del gran fracaso de Jay Gatsby, sin embargo, este hecho simboliza el fracaso de una generación, aquellos a los que denominaron la Generación Perdida, la generación a la que pertenecía Fitzgerald. Parece el reflejo cristalino del fracaso que sentía Fitzgerald, el fracaso de su sueño, de enriquecerse y poder vivir con ciertos lujos, el fracaso del famoso sueño americano.

Gatsby y Fitzgerald tienen cosas en común, ambos son jóvenes románticos con grandes expectativas para su vida, con ganas de comerse el mundo, de realizar su sueño americano. Ambos provenían de una familia humilde y se enamoraron de mujeres pudientes y acostumbradas a un buen nivel de vida. Por un lado, Fitzgerald conoció a Zelda, la que pasó a ser la mujer de su vida y con la que tuvo grandes altibajos en la relación. Por otro lado, Gatsby se enamora de Daisy Buchanan, pero su relación es interrumpida por la guerra y vuelve para enamorarla. Podemos ver en estas parejas claros paralelismos, uno de ellos los problemas que hubo para que su amor triunfase. Fitzgerald decidió hacer novelas cortas para poder solucionar sus problemas económicos y, así, darle un buen nivel de vida a Zelda. Esta decisión la criticó su gran amigo Hemingway, y supuso un distanciamiento entre ellos. Esto lo vemos reflejado en  Gatsby, en ese afán de dinero. Gatsby relaciona su desamor con los problemas de dinero, por lo que vuelve a acercarse a Daisy como un personaje rico, un gran magnate con turbios secretos y contactos que vive en la mansión de enfrente. Gatsby cree que, al ser un hombre poderoso, Daisy no podrá rechazarlo, sin embargo, Daisy nunca había dejado de amarle, a pesar de que la obligaron a casarse con Tom.

Fitzgerald y Zelda

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Gatsby y Daisy

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Tanto Zelda como Daisy son mujeres inocentes que  acaban contagiando sus delirios a Fitzgerald y Gatsby. Son mujeres incapaces de dejar su nivel de vida acomodado por amor. Daisy usaba a Gatsby como amante, pero no era capaz de dejar a Tom, que le proporcionaba su vida lujosa y con el que compartía una hija. Fitzgerald dio todo por Zelda, antes incluso de comprometerse, dejó de lado su verdadera vocación novelística para poder mantenerla y proporcionarle todo lo que ella quería.

El autobiografismo está presente en muchas de las obras de Fitzgerald. Por ejemplo, Suave es la noche cuenta la historia de un psicoanalista y su mujer a la que tiene que tratar como paciente. Esta obra es un reflejo de lo que sufrió Fitzgerald con la enfermedad de su amada Zelda, pues tenía una patología mental. Los personajes masculinos que aparecen en su producción literaria son héroes que acaban condenados, hombres llenos de sueños, y que, sin embargo, en lugar de conseguir el estrellato, se acaban estrellando. Sin lugar a dudas, los personajes femeninos que los acompañan son un reflejo de Zelda, todas guapas y con una personalidad compleja.

“Muéstrame un héroe y te escribiré una tragedia” Fitzgerald

Otro rasgo destacable de la novela son las fachadas, todos los personajes ocultan secretos. El más evidente es el de nuestro protagonista, ya que crea toda una gran mentira sobre su pasado para que se desconozcan sus inicios humildes. Gatsby es una mentira tras otra para lograr su objetivo. Sin embargo, a pesar de esas mentiras acaba siendo el personaje más noble, el que acaba realmente perjudicado en toda esta situación.

 

Película: El Gran Gatsby (2013)1

La piedra filosofal

La piedra filosofal, también llamada Magnus Opus, es una sustancia legendaria que, según los alquimistas, está dotada de propiedades extraordinarias, como la capacidad de transmutar los metales vulgares en oro. Ocasionalmente, también se creía que era un elixir de la vida, útil para el rejuvenecimiento y, posiblemente, para el logro de la inmortalidad. Esta última propiedad ya la mencionamos en nuestro análisis de El retrato de Dorian Gray:

https://palabrasenmascaradas.wordpress.com/2015/11/30/oscar-wilde/

Durante muchos siglos, fue el objeto más codiciado en la alquimia. Su historia se remonta al Edén, pues se cree que Adán adquirió conocimientos de la piedra directamente de Dios. En las teorías de Platón también tuvo un papel relevante, la Materia Prima, conjunto de cuatro elementos de los que derivan todos los demás, es otro de los nombres que recibe la piedra filosofal. Las descripciones de este preciado objeto son varias y muy diversas. Ya en la Edad Media comenzaron a hacerse las primeras investigaciones sobre el tema. El alquimista Basilio Valentín la describía como un material cristalizado que conforme se estabiliza alcanza un estado sólido. En el siglo XIII, Raimundo Lulio dijo que la piedra era color rojo rubí. Todas estas ideas han ido confeccionando la imagen de la piedra filosofal como algo parecido a esto:

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En este ámbito, destaca la figura de Nicolas Flamel, un famoso escribano del siglo XIV. Según cuenta en un manuscrito suyo, una noche soñó con un ángel que le mostró un libro cuyo contenido no pudo ver. Un día un hombre entró en su librería queriéndole vender un libro, Flamel lo reconoció por el sueño y no dudó en comprárselo. Tiempo después, con la ayuda de otros alquimistas, logró descifrar el libro. Tal y como confiesa Flamel, el libro escondía el secreto de la piedra filosofal. ¿Por qué se cree eso? Parece ser que Flamel consiguió transmutar los metales y obtuvo una pequeña fortuna.

Harry Potter y la piedra filosofal

La piedra filosofal no solo ha interesado a alquimistas, sino que ha sido objeto de inspiración literaria. De este modo, nos encontramos con la famosa saga juvenil Harry Potter de J. K. Rowling. La apreciada piedra rojiza estuvo presente desde el primer momento, teniendo un importante lugar en el título del primer libro publicado en 1997. La autora del libro tiene estudios en filología clásica, por lo que no es de extrañar que conozca datos de todas las leyendas y mitos sobre este preciado elemento. ¿Quién iba a decirle que la famosa piedra le proporcionaría a ella mucha riqueza? Gracias a la saga, J. K. Rowling se ha convertido en una de las personas más ricas del momento, se ha llegado a oír en las noticias “es más rica que la reina”.

En el libro Harry Potter y la piedra filosofal, la piedra es escondida en una cámara muy especial para que no llegue a manos de Lord Voldemort, el famoso mago oscuro que, seguro, la usaría en su beneficio y sería altamente peligroso. Esa cámara se encuentra en la tercera planta de Hogwarts, en la que estaba totalmente prohibido el paso para los estudiantes. Se protegía mediante un perro gigante de tres cabezas llamado Fluffy, una red de Lazo del Diablo, llaves encantadas voladoras, un juego de Ajedrez Mágico de tamaño real, un troll, una adivinanza de pociones y el Espejo de Oesed. No es de extrañar que esta piedra se protegiese tanto, pues tenía un gran poder.

La piedra filosofal sigue apareciendo en el resto de la saga, concretamente, en Harry Potter y el Cáliz de Fuego, Harry Potter y la Orden del Fénix, Harry Potter y el Misterio del Príncipe y Harry Potter y las Reliquias de la Muerte. Es también participe en uno de los símbolos más famosos de la saga.

Símbolo de las reliquias de la muerte

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El símbolo de las reliquias de la muerte está formado por: un triángulo, que representa la capa de la invisibilidad; un círculo, que representa la piedra de la resurrección; y una línea recta, que representa la varita de saúco. Este símbolo es muy parecido a la cuadratura del círculo, un problema matemático irresoluble de geometría, que da lugar a un símbolo alquímico de la creación de la piedra filosofal. ¿Es coincidencia o la escritora lo hizo intencionadamente?

Cuadratura del círculo

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“Sabes, solo alguien que quisiera encontrar la Piedra, encontrarla, pero no utilizarla, sería capaz de conseguirla. De otra forma, se verían haciendo oro o bebiendo el Elixir de la Vida” Albus Dumbledore

Oscar Wilde

“No voy a dejar de hablarle sólo porque no me esté escuchando. Me gusta escucharme a mí mismo. Es uno de mis mayores placeres. A menudo mantengo largas conversaciones conmigo mismo, y soy tan inteligente que a veces no entiendo ni una palabra de lo que digo” Oscar Wilde

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Tal día como hoy, pero en 1900, murió el gran escritor irlandés Oscar Wilde en París. Se han escrito nueve biografías sobre él, una de ellas por su propio nieto, Merlin Holland, en 1997. Al nacer le pusieron tres segundos nombres, por lo que realmente se llama Oscar Fingal O’Flahertie Wills Wilde. Es totalmente comprensible que lo abreviemos en Oscar Wilde, ¿no creéis?

Su familia fue clave en el futuro desarrollo de su talento, ya que su madre escribía poemas revolucionarios y tradujo la novela de terror gótico «Sidonia la hechicera», obra que le impulsaría a introducir elementos más oscuros en sus futuros relatos. La herencia literaria de su madre se ve reflejada en su novela de terror gótico titulada El retrato de Dorian Gray. Estudió en Oxford, donde se licenció con los reconocimientos más altos en estudios clásicos. Allí recibió gran influencia de sus dos tutores: Walter Pater y John Ruskin.

Es uno de los mejores dramaturgos de la Época Victoriana, produjo varias obras teatrales: Vera o los nihilistas (1880), La duquesa de Padua (1883), El abanico de Lady Windermere (1892), Una mujer sin importancia (1893), Salomé (1894), Un marido ideal (1895), La importancia de llamarse Ernesto (1895). Tiene dos colecciones de historias fantásticas escritas para sus hijos: El príncipe feliz (1888) y La casa de las granadas (1892); una colección de cuentos breves llamada El crimen de lord Arthur Saville (1891); y algunos libros de poemas como Ravenna (1878), La esfinge (1894) o Balada de la Cárcel de Reading (1898). Es curioso que Wilde, a pesar de ser un escritor competente y versátil, solamente escribiera una novela durante toda su vida, El retrato de Dorian Gray en 1891.

El retrato de Dorian Gray

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Voy a saltarme la argumentación de esta novela, pues ya os adelantamos algo en nuestra entrada sobre los síndromes literarios sobre esta novela porque da nombre a un curioso trastorno. Os dejo el enlace a mano por si os entra la curiosidad:

https://palabrasenmascaradas.wordpress.com/2015/11/03/sindromes-literarios/

Nuestro personaje principal, Dorian Gray, es indudablemente un narcisista, tiene tal admiración por sí mismo que acaba obsesionado por mantenerse de forma idéntica. El tema del narcisismo proviene de un mito de origen griego, que fue recogido en las Metamorfosis de Ovidio. Según este, Narciso era un hombre muy hermoso que tenía enamoradas a todas las doncellas, sin embargo, él las rechazaba. Némesis, la diosa de la venganza, decidió castigar a Narciso por rechazar a Eco e hizo que Narciso se enamorara de su propia imagen. Un día, se vio reflejado en las aguas y, al no poder dejar de mirarse, acabo cayéndose al agua y ahogándose. Actualmente, el narcisismo, término introducido por Sigmund Freud, es el amor que dirige el sujeto a sí mismo.

Vinculado a este narcisismo, está el concepto de la juventud eterna, Dorian está obsesionado por mantenerse joven, piensa que si envejece dejara de ser tan guapo como lo es en ese momento. Esta idea existe desde la Antigüedad, y ha pasado a nuestros días, el ejemplo más claro son las cremas anti-arrugas, o la cosmética en general. Existen multitud de leyendas en torno a este concepto, por ejemplo, la fuente de la eterna juventud, la piedra filosofal, la panacea universal y el elixir de la vida.

Me interesa destacar la temática faustitiana,  muy recurrente en la literatura universal, así tenemos  Tragical History of Doctor Faustus de Christopher Marlowe, Doctor Faustus de Thomas Mann y, por último, el más conocido, Fausto del escritor alemán Goethe. Este mito tiene un origen alemán, en un hombre que existió realmente, ese hombre se llamaba Fausto. Intercambió su alma con el diablo por conocimiento ilimitado y placeres mundanos. ¿Qué relación guarda la novela de Wilde con este tema? El protagonista desea, frente a un espejo, la juventud eterna. Y así ocurre, no envejece con el paso de los años, por lo que se piensa que ha hecho un pacto con el diablo. Esto es una leyenda, pues realmente en la obra no se dice nada acerca de dicho pacto. Si os interesa más el tema de los mitos y las leyendas podéis visitar:

https://palabrasenmascaradas.wordpress.com/2015/10/21/mitos-y-leyendas/

“Y todo había sido como tiene que ser el arte, inconsciente, ideal y lejano” El retrato de Dorian Gray, Oscar Wilde

El Resplandor

Stephen-KingStephen King nació en Portland en 1947, no hay duda de que es uno de los escritores más reconocidos de nuestros tiempos. Es autor de una larga lista de títulos entre los que destacan algunos como: Carrie, Misery o The Shining (El Resplandor). Muchas de sus obras se han llevado a la gran pantalla, algo que le ha ayudado mucho en su trayectoria como escritor. King destaca en el género del terror y el misterio, siendo uno de los autores favoritos para los seguidores de estos géneros. Además, en el año 2000 publicó un libro titulado On writing: a memoir of the craft en el que incluye una pequeña autobiografía en la que nos narra sus primeras experiencias con la escritura, habla de su primera novela Carrie, de sus intentos por escribir en la infancia, la relación con su familia etc. Pero lo verdaderamente interesante de esta obra es que aporta una serie de pautas para ser un buen escritor, habla de cómo realiza sus trabajos y aconseja a futuros escritores. De esta manera, podemos conocer más a fondo su faceta de escritor, inquietudes etc. King es un autor que posee un largo recorrido como lector y esto se ve muy reflejado en sus obras, recibe influencia de numerosos autores entre los que destacan Lovecraft y Poe. La obra que vamos a tratar es El Resplandor y está inspirada en el cuento de Edgar Allan Poe La Máscara de la Muerte Roja, vemos muchas referencias a este cuento a lo largo de toda la obra; también podemos encontrar cierta relación con El gato negro, los protagonistas de ambas obras tienen problemas con el alcohol, comienzan a comportarse de forma violenta y, finalmente, cometen actos atroces; os dejo un enlace en el que hablamos de Poe y El gato negro por si queréis ampliar información sobre este autor.

https://palabrasenmascaradas.wordpress.com/2015/10/25/el-gato-negro/

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El argumento de El Resplandor se centra en la relación de Jack Torrance con su familia. Jack es un profesor y escritor alcohólico que perdió su empleo por golpear a un estudiante, está casado con Wendy que le apoya en su lucha contra el alcoholismo y ambos tienen un hijo, Danny, que posee un don un tanto particular. Este don se conoce como ‘resplandor’ y le permite hablar con su amigo imaginario Tony, en realidad, el resplandor hace que Danny pueda contactar con espíritus y le aporta poderes telepáticos. Jack consigue una oferta de empleo en el hotel Overlook, es un hotel bastante aislado que permanece cerrado durante el invierno, el trabajo de Jack consistirá en pasar allí el invierno junto a su familia y cuidar del hotel. Esta parece una buena oportunidad para superar los problemas familiares y el alcoholismo de Jack. Al llegar al hotel conocen a Dick Halloran, cocinero del Overlook, que posee, igual que Danny, el resplandor. La familia desconoce el escalofriante pasado del Overlook pero, poco a poco, comienzan a suceder cosas extrañas, los espíritus que habitan el hotel tratarán de poseer a Danny pero encontrarán dificultad y comenzarán a poseer a Jack. El hotel tiene personalidad propia y es capaz de manejar a su antojo a vivos y muertos. Jack no resulta un objetivo difícil porque es vulnerable, se refugia en el alcohol para encontrar inspiración, ha perdido su trabajo y la relación con su familia no es demasiado buena en ese momento. Progresivamente, Jack va mostrando síntomas de locura y delirios, comienza a tener visiones extrañas etc. Finalmente, el Overlook consigue poseerlo por completo con la intención de que asesine a su familia y, de este modo, quedarse con las habilidades mentales de Danny. Es una novela que presenta un componente autobiográfico pues, King, igual que Jack, se encontraba sin inspiración y solía acudir al alcohol, además, en ese momento tenía varios problemas familiares. Podemos decir que Jack Torrance es un reflejo del propio autor en el momento en que escribió la obra.

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Esta novela es especialmente conocida por su adaptación a la gran pantalla. Dirigida por Stanley Kubrik y protagonizada por Jack Nicholson es una de las películas de terror más conocidas de todos los tiempos. Se llevó al cine en 1980 y, aunque al principio no fue demasiado bien recibida, con el tiempo ha ido ganando seguidores. Sin embargo, King nunca se mostró orgulloso de esta adaptación porque hay bastantes diferencias respecto a la novela, por ejemplo, en el libro, Jack es una persona inestable antes de llegar al hotel pero en la película es un hombre corriente sin ningún tipo de problema. Además, en el libro Wendy es una mujer fuerte, ocurre todo lo contrario en la película; en el libro la historia se centra en el punto de vista del niño y en la película en el de Jack. Cabe añadir que el desenlace tampoco coincide entre novela y película. La película nos sumerge en la personalidad de Jack, vivimos la posesión progresivamente, recorremos los interminables pasillos del Overlook junto a Danny… Es realmente agobiante visualmente, además, los personajes se encuentran aislados, incomunicados en un hotel enorme y lleno de espíritus, es de esas películas con las que de verdad puedes llegar a sentir miedo y angustia.

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Creo que debemos ver la película de Kubrik como algo independiente del libro, como si simplemente estuviera inspirada en él; si la tomamos como adaptación es cierto que echaremos en falta algunas cosas y otras, que en el libro no aparecían, pueden parecernos un acierto. Personalmente, novela y película me gustan, cada una tiene lo suyo, por ejemplo, me quedo con la Wendy del libro pero hay ciertas escenas de la película que me parecen auténticas joyas como la escena del laberinto o la de la máquina de escribir. No quiero alargarme mucho más para evitar contar el final o dar demasiadas pistas a quien no haya leído el libro o no haya visto la película. Os dejo una de mis escenas favoritas que creo que está grabada en la memoria de todo aquel que haya visto la versión de Kubrik.

Para finalizar, me gustaría añadir que, debido al descontento de King con la versión cinematográfica, en 1997 el propio escritor realizó el guion para una miniserie basada en la novela y dirigida por Mick Garris. El Resplandor, gracias a su adaptación al cine, ha conseguido estar muy presente en la cultura popular, encontramos referencias a ella en cine, series, música etc. Por eso, he decidido dejaros con un pequeño ejemplo de esto, la famosísima serie de televisión Los Simpson realizó su peculiar versión de la misma, creo que merece la pena verla y además es bastante similar a la película de Kubrik.

“All work and no play makes Jack a dull boy”.

La semilla del diablo / El bebé de Rosemary

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La semilla del diablo o Rosemary’s baby, en la versión original, es una obra de Ira Levin, aunque, seguramente os resulte bastante más familiar su adaptación cinematográfica. No tenía en mente realizar esta entrada y, la verdad, es que ha surgido un poco de casualidad. Tenía preparadas otras entradas para estos días pero, de repente, me acordé de la película de Polanski y decidí ponerme a escribir.

Ira Levin fue un escritor estadounidense de origen judío y su especialidad fue la literatura de suspense. Algunas de sus obras son: Un beso antes de morir, Las poseídas de Stepford, Silver y, por supuesto, Rosemary’s baby. He de decir respecto a la novela que vamos a tratar que no soporto la traducción del título que se hizo en España, prefiero la original o la versión para Hispanoamérica (El bebé de Rosemary). Me parece una traducción bastante mala porque nos destripa la esencia de la obra; no voy a detenerme más en esta cuestión pero quería mencionarla porque la traducción es casi tan importante como la obra misma; no es un trabajo fácil y la labor del traductor requiere de mucha creatividad pero, en este caso, me parece que se pasaron de creativos.

La novela

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Rosemary y Guy forman un joven matrimonio que decide mudarse a un edificio de apartamentos de la ciudad de Nueva York. Guy es un actor un tanto frustrado que hace todo lo posible por conseguir un papel importante para su carrera. A su llegada al edificio, conocen a Roman y Minnie Castavet, unos ancianos vecinos bastante extraños. Rosemary se muestra bastante reacia a entablar relación con ellos porque los encuentra extraños, sin embargo, el matrimonio resulta muy RosemarysBaby_071Pyxurzinsistente y entrometido, intentando siempre entablar una amistad con la joven pareja. A diferencia de su esposa, Guy se siente cómodo con los nuevos vecinos y desarrolla una buena relación con los Castavet. Curiosamente, al poco tiempo de mudarse, Guy recibe una importante oferta de Broadway y Rosemary se queda embarazada. Al enterarse del embarazo, los Castavet se vuelven todavía más insistentes, obsequian a Rosemary con alimentos y otros objetos, además, empiezan a preocuparse mucho por su salud, le recomiendan un ginecólogo etc.

La película

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La película, ganadora de un Óscar a la mejor actriz de reparto, se rodó en 1968, fue dirigida por Roman Polanski y protagonizada por Mia Farrow, John Cassavetes, Ruth Gordon y Sidney Blackmer. La trama, igual que en la novela, gira en torno al bebé de Rosemary, la sospechosa actitud de sus vecinos al enterarse de su embarazo y el repentino ascenso de Guy en su carrera como actor. En ningún momento dejas de prestar atención, te envuelve en una atmósfera misteriosa y logras ponerte en la piel de Rosemary. Mantiene la tensión de principio a fin, se viven momentos de angustia sin la necesidad de escenas sangrientas o desagradables, todo es psicológico. Debemos tener en cuenta que fue muy revolucionaria para su época, especialmente, por la famosa escena de la concepción y por desvelar numerosas claves del satanismo. Actualmente, estamos acostumbrados a ver violencia en películas que no son violentas, a ver sangre y escenas desagradables a cualquier hora del día, por ello, puede que Rosemary’s baby no nos parezca nada extraordinario a simple vista pero debemos ponernos las gafas de 1968 para comprender lo controvertida que pudo llegar a ser.

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El encanto de esta película reside, precisamente, en no mostrar; nos hallamos frente a un terror psicológico que nos mantiene alerta hasta el final, esperando el nacimiento del bebé durante el agónico embarazo. Una de las cosas que más me gusta de la película es que toda la trama ha girado en torno al hijo de Rosemary, nosotros sabemos quién es el verdadero padre y ella lo ignora; comenzamos a imaginar cómo será su aspecto cuando nazca y, en el momento de máxima expectación, justo cuando nos van a descubrir su cara, nos la ocultan. Para mí, esto es algo mágico que permite dejar volar la imaginación, es como si no hubiéramos perdido la esencia de los libros. Cuando leemos tenemos que imaginarnos los detalles, confiar en las descripciones que nos da el autor, pensar cómo será cada paisaje o personaje, algo que, con el cine, se pierde. Polanski no nos enseña al bebé pero vemos la expresión de su madre al descubrirle la cara, describe los ojos de su hijo horrorizada y, en ese momento, cada uno de nosotros está viendo al bebé, los ojos del bebé, pero desde nuestra imaginación. No hay nada más terrorífico que nuestra propia imaginación, cada uno sabe qué es lo que le asusta, lo que le gusta, disgusta etc. Por eso, en mi opinión, el hecho de que en una película nos den la oportunidad de imaginar me parece algo extraordinario. La película nos deja una especie de sabor agridulce al final porque, después de tanto esperar, no sabemos qué aspecto tiene el hijo de Rosemary. A pesar de ello, el poder de la imaginación es enorme y aterrador; al final de la película, vemos la imagen de unos terroríficos ojos amarillos, Polanski no estaba de acuerdo en mostrar ninguna imagen del bebé pero, finalmente, le convencieron de agregar esta última escena. Creo que la idea original de Polanski es excelente y yo hubiera preferido que no nos mostraran los ojos, aunque, tampoco creo que estropee la imagen mental de cada uno de nosotros.  Para refrescaros la memoria os dejo este vídeo con la escena en cuestión:

Curiosidades

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No solo la película y la novela son misteriosas sino que el rodaje de la misma también se vio envuelto en el misterio. El escenario elegido para el rodaje fue el conocido edificio Dakota en Nueva York, este lugar era famoso porque, en él, residían importantes celebridades. Sin embargo, tuvieron problemas para rodar allí desde el principio porque a Polanski no terminaba de gustarle y algunos vecinos se opusieron, de modo que, solo utilizaron el edificio para los exteriores. Estos apartamentos habían estado vinculados desde hacía años al satanismo y la brujería, se dice que Boris Karloff, conocido actor y residente del edificio, había realizado algunos rituales en él. La obra de Levin se había vinculado al satanismo y se cree que el autor puedo haber hablado con el Papa Negro para asesorarse sobre estos rituales; algunos fanáticos de la secta conocida como ‘La Familia’, fundada por el conocido asesino Charles Manson, se manifestaron contra el rodaje de esta película y amenazaron a Polanski. Un año después, varios miembros de la secta acudieron a una fiesta en la que se encontraba Sharon Tate, esposa del director que estaba embarazada de 8 meses, y asesinaron a 5 personas, entre ellas, a Tate. Por si esto fuera poco, en 1980 fue asesinado John Lennon a las puertas del edificio Dakota, lugar en el que residía el músico.

Espero que os haya gustado y os invito tanto a leer la novela como a disfrutar de la película si todavía no lo habéis hecho.

Drácula

Todos conocemos la historia del Conde Drácula, con sus versiones de dibujos animados, cine o teatro. No quiero pararme en la historia en sí, sino que me gustaría indagar en el mundo que rodea al conde Drácula como personaje, sus características, su parte de leyenda, su parte de realidad, etc.

Abraham Stoker, novelista y escritor irlandés, es el autor de esta famosa historia. Pero Stoker no se inventó la leyenda vampírica, sino que ya existía en la época. No se sabe a ciencia cierta de donde obtuvo el personaje de Drácula, algunos piensan que proviene de Vlad Drăculea, al que investigaremos más adelante y otros piensan que el nombre de Drácula lo eligió porque significa «diablo» en rumano.

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¿Qué características tiene este personaje? Drácula es un hombre inmortal, no puede envejecer, solo puede morir si se le corta la cabeza o está de forma prolongada en contacto con el Sol. También puede morir tocando metal al rojo vivo o un crucifijo. Esa idea de Drácula durmiendo en un ataúd es falsa, no puede dormir, únicamente puede estar en trance. Además, se tiende a pensar que los vampiros pueden volar y que si uno de ellos te muerde te convertirás en uno más, sin embargo, estas ideas son erróneas; para convertirte en vampiro es necesario hacer un ritual. Su sentido del oído y del olfato son muy agudos, mucho más que los de cualquier mortal, es increíblemente fuerte y rápido, soporta mucho mejor el dolor que los humanos, su paladar es más sensible que el nuestro y su visión es casi perfecta en la oscuridad. Su corazón no late y no circula sangre por sus venas. Drácula carece de sentimientos, la única emoción que puede llegar a experimentar es el enfado. Se alimenta de sangre humana con la ayuda de sus colmillos.

Ahora que ya nos hemos hecho una idea de las características principales de este personaje vamos a suponer que la teoría de que Stoker se inspiró en Vlad es cierta. Entonces, nos preguntamos ¿qué relación puede guardar con lo descrito anteriormente? Vlad Drăculea era un príncipe cuyo nombre significa hijo del demonio, y era conocido con el sobrenombre de «el Empalador» por sus macabras prácticas de tortura.

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Cierto es que la historia sobre este príncipe es igual de terrorífica que la de Drácula pero existen algunas diferencias. Aunque parezca extraño, Vlad también se alimentaba de sangre, llenaba recipientes de sangre de personas que había matado él mismo y la utilizaba para mojar pan. Tanto Drácula como Vlad mataban a personas, sin embargo, Vlad lo hacía por otros motivos, se estima que llego a matar y empalar entre 40.000 y 100.000 personas. Vlad no cumplía con la característica de la inmortalidad, murió en una batalla contra los turcos. Le cortaron la cabeza para exhibirla en el palacio de un sultán y su cuerpo fue enterrado, pero jamás fue encontrado. Para los amantes de los vampiros hay solo una explicación: la vida eterna, realmente nunca murió. En mi opinión, resulta ser la viva imagen de la frase «la realidad supera la ficción», pues a mí me parece bastante más terrorífico el personaje real que el fictício.

¿Por qué Vlad tenía tanta obsesión por la sangre? Nuestro macabro príncipe padeció un trastorno llamado vampirismo clínico, es un raro trastorno mental caracterizado por la excitación sexual asociada con una necesidad compulsiva de ver, sentir o ingerir sangre; existiendo o no el autoengaño creencial de ser un vampiro. Otras personas han padecido esta enfermedad como: la Condesa Elizabeth Bathory, Gilles de Rais, Peter Kürten, Fritz Haarmann, Bela Kiss, Allan Menzies, etc. La primera persona que se cree que padeció esta enfermedad no es el temible Vlad, sino que fue Jure Grando, un viejo campesino de la península de Istria, región que hoy conforman los territorios de Croacia, Eslovenia e Italia. Esta es la primera persona que figura en un registro histórico bajo la nominalización de “vampiro”. Por ello, se considera una figura fundamental en el folclore del vampiro.

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También existió un hombre llamado «el vampiro de Londres» que, en 1949, fue acusado de asesinar a 6 personas cuyos cuerpos disolvió en ácido sulfúrico intentando hacer desaparecer toda evidencia de sus crímenes. Este hombre se llamaba John George Haigh pero, ¿por qué se le puso ese apodo? Haigh alegó tener sueños reiterados que lo impulsaban a matar y a beber sangre, pero no se encontraron evidencias de que bebiera la sangre de sus víctimas ni de que actuara bajo ningún tipo de compulsión por ella.

Como vemos, desde Jure Grando hasta hoy existen un gran número de historias relacionadas con los vampiros. Sin embargo, la idea que tenemos hoy de un vampiro ha variado mucho. En un principio, se veía a este ser como un monstruo, era temido por todos y solía ocupar un lugar importante en las leyendas folclóricas de los pueblos. Hoy en día, hay una visión mitificada del vampiro, este tema ha llegado a fascinar tanto a la humanidad que se ve al vampiro como una especie de héroe. Ejemplo de esto es la Saga de libros Crepúsculo, que ha despertado el interés de millones de adolescentes por el ideal de un amor eterno. Sí, el protagonista vive eternamente, pero como hemos visto, el vampiro no tiene sentimientos y, por tanto, no puede amar eternamente. Si queréis saber más sobre los mitos, las leyendas y, concretamente, sobre la mitificación de los personajes podéis visitar:

https://palabrasenmascaradas.wordpress.com/2015/10/21/mitos-y-leyendas/

Frankenstein o el moderno Prometeo

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Otro día más, os traemos una de las obras más conocidas de la literatura de terror, supongo que, hoy en día, no hay nadie que no haya oído hablar de Frankenstein. En mi opinión, los títulos de los libros son casi tan importantes como la obra en sí pues, en ocasiones, nos dan pistas que nos ayudan a su comprensión. El título original de la obra de Mary Shelley es Frankenstein o el moderno Prometeo, como vemos, ya en el título hay una clara referencia a la mitología griega y esta será una de las claves interpretativas de la obra. Por tanto, antes de comenzar con la lectura y el análisis de la obra lo que debemos preguntarnos es quién es Prometeo.

Prometeo

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Según la mitología griega, Prometeo era el hijo de Jápeto y Clímene y sus hermanos eran Atlas, Epimeteo y Menecio. Zeus le encargó a Prometeo la misión de poblar la Tierra, así que, junto a su hermano Epimeteo se dispusieron a crear a las criaturas que habitarían en la Tierra. Epimeteo, por su parte, se decidió por hacer una gran variedad de criaturas, dotándolas de: alas, plumas, garras, aletas etc.; Prometeo, sin embargo, quiso realizar una criatura que se asemejara a los dioses y la realizó con gran minuciosidad, tanta que fue demasiado lento y su hermano ya había utilizado todos los dones que Zeus les había otorgado, de este modo, la creación de Prometeo fue el hombre. Durante el invierno, el hombre pasaba mucho frío por las noches, Prometeo sintió pena y decidió robarles el fuego a los dioses y, así, los hombres pudieron calentarse. Además, les dijo a los humanos que quemasen ofrendas a los dioses, sacrificaron un gran toro y le ofrecieron a Zeus dos platos de carne para que eligiera. Sin embargo, Prometeo había ideado un plan, uno de los platos era carne cubierta de huesos, de forma que parecía menos apetecible y, el otro consistía en un montón de huesos que había cubierto con apetecible grasa. Zeus sucumbió al engaño y eligió el plato de huesos, al darse cuenta, se enfureció y decidió vengarse. Para conocer más sobre esta venganza visitad nuestra entrada de mitos y leyendas donde contamos el mito de Pandora (continuación del de Prometeo):

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Por tanto, podemos decir que Prometeo desafió a Zeus y rivalizó con él, ¿no ocurre lo mismo en la historia de Mary Shelley? ¿No estaba Víctor Frankenstein jugando a ser Dios y luego tuvo que pagar las consecuencias de sus actos? Parece que ambos mitos nos tratan de decir que debemos medir nuestros actos porque, con el tiempo, tendremos que sufrir las consecuencias de los mismos, la ambición desmesurada conlleva consecuencias desastrosas. No podemos jugar a ser Dios y no podemos desafiar a los dioses.

 Frankenstein

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Frankenstein se publicó por primera vez en el siglo XIX, es una obra que a nadie deja indiferente y que ha gozado de gran repercusión gracias a sus adaptaciones cinematográficas y a la gran cantidad de referencias a ella que encontramos en la cultura popular. No voy a narrar el argumento de la obra porque considero que, en mayor o menor medida, es conocido por todos y, por ello, voy a centrarme en lo que realmente nos interesa. Como hemos visto, el título nos da la clave interpretativa de la obra, el título hace referencia a uno de los mitos más conocidos de la Antigüedad y, no solo eso, sino que lo compara e iguala al relato que nos van a contar. ¿Qué deducimos de esto? Que la historia que se nos presenta es un mito como cualquier otro de la Antigüedad, es decir, Shelley nos mitifica su obra antes de comenzarla, esto es algo muy interesante porque, como sabemos, los mitos tienen fines explicativos y educativos. Sirven para dar respuesta a algunos de los hechos de la naturaleza, para comprender el mundo que nos rodea y, a su vez, nos enseñan a vivir en él. Por tanto, no debemos leer Frankenstein como un simple relato de terror, sino que tenemos que sumergirnos en él para ver su verdadero significado y entender qué quería decirnos Shelley.

Existe la creencia de que Frankenstein es el monstruo, sin embargo, es el apellido de su creador Víctor, el monstruo carece de nombre; simplemente, se describe a lo largo de toda la obra como ‘monstruoso’. Víctor es un científico ambicioso que juega a ser Dios, desafía las leyes de la naturaleza y crea la vida, ¿qué mayor aspiración para un hombre puede haber que la de jugar a ser Dios? La obra nos invita a reflexionar sobre los límites del ser humano, no es de extrañar porque se escribió en pleno siglo XIX, la humanidad estaba cambiando, y comenzaban a llevarse a cabo importantes avances en medicina, ciencia etc. El ser humano es ambicioso y curioso por naturaleza, desde la Antigüedad se ha intentado buscar un sentido a la vida, una explicación al mundo y también a la muerte. Lo que no conocemos nos sorprende, atrae nuestra atención y queremos investigarlo; no nos conformamos con ser, queremos saber por qué somos y por qué seguimos siendo. Los animales, a diferencia de nosotros, no son conscientes de su existencia y esto supone una gran ventaja para ellos, nuestro mayor mal es, precisamente, el de ser conscientes de que existimos. No es malo plantearse ciertas cuestiones, tratar de comprender lo que nos rodea y buscar respuestas, el problema está en que cuando la ambición por el conocimiento es tan grande que desafía las leyes de la naturaleza (o de los dioses), las consecuencias de nuestros actos pueden ser terribles. Víctor, al igual que Prometeo, sufrirá los desagradables efectos de sus actos.

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Otro aspecto muy interesante es que en esta obra se produce un diálogo creador-creación, donde el creador debe escuchar las peticiones de su creación pues, vive atemorizado por ella y quiere poner solución. La creación pide que finalice su obra creando una mujer semejante a él y, de esta manera, no estar solo; este hubiera sido el fin a los problemas de Víctor pero, en el último momento, el creador cambia de opinión porque se arrepiente de lo que ha creado y, a causa de esta decisión, se desencadenan más desgracias.

En un mundo en el que las nuevas tecnologías y los avances científicos están a la orden del día deberíamos plantearnos hasta qué punto es bueno seguir avanzando; cada día vamos más deprisa, hace unos años nadie se imaginaba que sería posible escuchar música en un teléfono, ver a una persona que está a kilómetros de distancia y hablar con ella en tiempo real y ya nadie se acuerda de las cintas en VHS o de los carretes de fotos… En definitiva, Frankenstein es una historia de terror, pero de un terror humano y no sobrenatural como parece en un principio; no debemos temer a los monstruos, sino a los humanos. Esto me recuerda a una escena que apareció en la segunda temporada de la serie estadounidense American Horror Story en la que la hermana Jude (Jessica Lange) le dice a Kit Walker (Evan Peters) la siguiente frase: “Todos los monstruos son humanos”. Curiosamente, es una temporada ambientada en un hospital psiquiátrico llevado por religiosos, aparecen temas como la experimentación con humanos  y se plantean cuestiones como el bien y el mal. La obra de Shelley ha influido profundamente en la cultura de masas, tenemos un sinfín de ejemplos de Frankenstein en el cine, televisión etc. Para terminar, me gustaría resaltar que esta obra sigue estando de actualidad, incluso más que en el momento de su publicación, es como si la autora hubiera querido hacer una llamada de atención a la humanidad. Me gustaría que pensáramos en Frankenstein como algo más que un simple fenómeno de masas, me gustaría invitaros a releerla y a reflexionar sobre algunas de las cuestiones que hemos tratado.

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“El sueño de la razón produce monstruos” Francisco de Goya.