Homenaje a Alan Rickman

 

Como bien sabréis, en este mes de enero nos dejaron, a causa del cáncer, David Bowie y Alan Rickman. Al primero de estos ya le rendimos tributo, si todavía no lo habéis leído aquí tenéis el enlace:

https://palabrasenmascaradas.wordpress.com/2016/01/30/homenaje-a-david-bowie/

Alan Rickman

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Fue un camaleónico actor británico, que no solo interpretó brillantes papeles como personaje antagónico, sino que también destacó en roles cómicos como en Héroes fuera de órbita. La clave de Rickman era el perfeccionismo, no le gustaba ver sus propias películas porque era muy autocrítico. Como director cinematográfico nos dejó A Little Chaos y The Winter Guest.

Entró en la Real Academia de Actores gracias a la interpretación de un pasaje de Ricardo III de William Shakespeare. A partir de entonces inició una brillante carrera como actor, con trabajos como la película Rasputín, gracias a la que recibió el Globo de Oro a mejor actor. Entre sus películas están Robin Hood, príncipe de los ladrones, Love Actually, Something the Lord Made, El perfume y todas las entregas de la saga de Harry Potter, basada en las novelas de J. K. Rowling. También participó en la película de Tim Burton Sweeney Todd, de la que ya hemos hablado en nuestro blog, os dejamos el enlace por si os interesa:

https://palabrasenmascaradas.wordpress.com/2015/10/26/el-barbero-diabolico-de-la-calle-fleet/

Ha muerto sin llegar a ver el resultado de su último trabajo, la voz de la oruga que aparece en Alicia a través del espejo, que se estrenará este año.

Homenaje en The Simpsons

Su papel en Harry Potter, Severus Snape.

La escritora de Harry Potter, J.K Rowling, quiso desde el primer momento que Alan Rickman interpretase el papel de Severus Snape, siendo así, el único actor que conocía el verdadero destino de su personaje desde el primer momento.

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Snape es un personaje realmente odiado y temido por los alumnos de Hogwarts, por lo menos en los seis primeros libros, sin embargo, todo esto cambia al conocer su pasado. A lo largo de la saga van apareciendo recuerdos de Severus, gracias a los que sabemos que se había criado en un hogar violento. Era hijo de Eileen Prince, una sangre pura, y un muggle llamado Tobías Snape. Durante su estancia en Hogwarts usa el apodo de El Príncipe Mestizo, una mezcla del apellido de su madre y su sangre mestiza lo convierten en el único Half-Blood Prince. Esto se descubre cuando Harry usa un libro de pociones firmado por Severus con este curioso apodo.

Durante su infancia conoció a Lily, de la que fue gran amigo y por la que acabó enamorado. Esta relación se fue enfriando con la entrada a Hogwarts, pues cada uno pertenecía a una casa diferente y no aceptaban los amigos del otro. El punto de inflexión en esta relación se da cuando llama a Lily ‘sangre sucia’, por lo que se rompió definitivamente la amistad. El amor que sentía por Lily y su carácter solitario hicieron que no fuese muy popular y querido en la famosa escuela de magia y hechicería.

El hecho de que un personaje se vea influenciado por su pasado y que vaya evolucionado es algo que hoy en día no nos sorprende, sin embargo, en los principios de la literatura solo existían personajes maniqueos, planos, que no evolucionaban y que eran prototípicos (el héroe caballeresco, la dama en apuros, el villano, etc). Todo se dividía en buenos y malos. Rickman encarna a un personaje que no es lo que aparenta, su amor por Lily puede más que su aparente maldad, es realmente leal y bueno. No hay que olvidar que uno de los actos que más terribles parecen, el lanzamiento del hechizo ‘Avada Kedavra’ a Dumbeldore, no es más que una muestra de lealtad, pues Dumbeldore se lo había pedido porque tenía una enfermedad.

La propia J. K. Rowling puso el siguiente tuit sobre este personaje: “Snape died for Harry out of love for Lily. Harry paid him tribute in forgiveness and gratitude”. Gracias a Alan Rickman, todos los lectores de la saga Harry Potter han acabado queriendo a Severus Snape, un personaje redondo que evoluciona a lo largo de la historia, demostrándonos que no podemos quedarnos con las apariencias, pues, para mí, es el personaje con  mayor corazón de toda la saga. La brillante interpretación de Rickman hace que lo odiemos durante las primeras películas, pero que se nos encoja el corazón cuando se conoce su verdadera historia. Una historia, un pasado, que justifica cada uno de sus gestos.

Alan Rickman ha sido el actor perfecto para un personaje sobrecogedor, para un personaje que nos acaba sorprendiendo a todos.

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Big Fish: A Novel of Mythic Proportions

“Hay algunos peces que no pueden ser atrapados. No es que sean más rápidos o más fuertes que otros peces. Solo están tocados por algo especial”.

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Hoy vamos a hablar de una novela que, probablemente, es más conocida por su adaptación cinematográfica que por sí misma. No mucha gente sabe que la película dirigida por Tim Burton en 2003 y protagonizada por Ewan McGregor es, en realidad, la versión para la gran pantalla de la novela principal-daniel-wallace_grandehomónima de Daniel Wallace. Big Fish: A Novel of Mythic Proportions se publicó por primera vez en Estados Unidos en 1998, su autor es Daniel Wallace, escritor estadounidense nacido en 1959 y padre de títulos como: Mr. Sebastian and the Negro Magician, Off the Map o El rey de la sandía. Además de su labor como escritor, trabaja en la Universidad de
Carolina del Norte donde es profesor del departamento de inglés. Como curiosidad, me gustaría indicar que en sus obras suelen aparecer referencias a ojos de cristal y es que, según el propio Wallace, tiene una colección de ojos de cristal. En Big Fish veremos una clara alusión a ellos.

Big Fish es una novela diferente, que indaga en la relación de un padre y un hijo, mezcla elementos de la vida cotidiana con elementos fantásticos, es agradable, sencilla y cercana pero, al mismo tiempo, nos invita a reflexionar y analizar aspectos de nuestra propia vida. Es una novelaBigfishnovel joven, de finales del siglo XX, que no pasa desapercibida; ya el título nos advierte que es algo poco convencional y que, a pesar de su brevedad, posee unas dimensiones extraordinarias. Es como una gran ensalada, con alimentos muy diferentes pero que encajan a la perfección, fantasía y verdad son los principales ingredientes de esta novela. Breve, de título grande, fantástica pero real, pequeña y grande al mismo tiempo… todo parece contradictorio en Big Fish y, sin embargo, está muy bien acoplado. No podemos decir que estemos ante una de las mejores obras literarias de los últimos tiempos pero, en mi opinión, merece una o varias lecturas. La obra se divide en diversos capítulos que, aparentemente, no están ordenados cronológicamente, los protagonistas son: Edward Bloom, el padre; y William Bloom, el hijo. La trama no es lineal, pero las distintas historias que se van contando a lo largo de los diferentes capítulos dibujan la vida de Edward. En la película, por el contrario, se han ordenado estas historias, de esta forma, no nos resulta tan extraña. Una de las principales diferencias con su hermana cinematográfica la encontramos en el papel de William, en la película de Burton, es un personaje que no tiene una buena relación con su padre, vive en Francia junto a su mujer y, al enterarse de que su padre está gravemente enfermo, viaja a Estados Unidos para visitarlo; su padre, Edward, es un hombre que cuenta historias extraordinarias sobre su vida, este fue el detonante de la ruptura con su hijo porque Will desea saber la verdad sobre la vida de su padre. En el libro, no aparece el personaje de la mujer y Will tiene una buena relación con Edward.

“Hay momentos en los que un hombre tiene que luchar y hay momentos en los que debe aceptar que ha perdido su destino, que el barco ha zarpado, que solo un iluso seguiría insistiendo. Lo cierto es que siempre he sido un iluso”.

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“Los peces más grandes del río son de esa manera porque nunca fueron atrapados”.

En mi opinión, ambas versiones son buenas, y pienso que hay historias y personajes añadidos en la película que son un gran acierto. La de Burton no es una mala adaptación, aunque es cierto que presenta bastantes diferencias con el libro pero, como sabemos, esto es algo habitual cuando se intenta trasladar una obra literaria a la gran pantalla. Por tanto, mi recomendación es que, si os animáis, veáis la película y leáis el libro. Otro de los aciertos de la película es que la trama se centra más en el personaje de Edward. Edward es como un iceberg para su hijo, siempre cuenta historias increíbles sobre su vida pero nunca cuenta la verdad, poco a poco, Will tratará de comprender a su padre, se irá acercando a esa verdad que tanto busca, y comprobará que algunas de las locas historias de Edward tienen parte de verdad. Edward no inventa sus historias de la nada, simplemente, narra los acontecimientos de su vida de una forma diferente, subjetiva y fantasiosa; es un pez grande, siempre lo ha sido. A continuación, voy a exponer algunos aspectos que me han parecido interesantes de la obra (tanto de la película como del libro).

“Si se guarda en un pequeño recipiente, el pez permanecerá pequeño; si tiene más espacio puede doblar, triplicar o cuadruplicar su tamaño”.

En realidad, Big Fish es una obra cargada de simbolismo, Edward es un pez grande en su ciudad natal, Ashton, sin embargo, siente que está destinado a cosas todavía más grandes. Ya en la infancia, Edward sufre de una extraña condición que le hace crecer demasiado deprisa y se ve obligado a estar en una cama conectado a unos aparatos que regulan su crecimiento. Un día, lee una descripción sobre un tipo de pez que, dependiendo del tamaño de su pecera, crecerá más o menos. Esto es una metáfora a la propia vida del protagonista, él puede alcanzar todo lo que se proponga y, por tanto, quiere crecer todo lo posible, alcanzar la grandeza y, para ello, deberá salir de su pecera. El río por el que nada el pez es el río de la vida, la libertad de poder nadar a sus anchas y eso es lo que ansía Bloom. Hemos hablado antes de la afición que tiene Wallace por los ojos de cristal, bien, en la obra, aparece un personaje fundamental para entender la vida del protagonista, una bruja con un ojo de cristal que si lo miras puedes ver en él cómo morirás. Edward va a visitar a la bruja junto a otros niños, ve su muerte en el ojo y esto le ayudará a superar todos los obstáculos de su vida. En momentos de ansiedad y peligro en su vida adolescente y adulta, recuerda que vio su muerte en el ojo y se dice a sí mismo que así no es como muere, esto le da fuerzas para seguir continuando y enfrentarse al peligro sin miedo a morir.

“Este pueblo es más de lo que podría soñar cualquiera, y si al final acabara aquí me consideraría afortunado, pero la verdad es que aún no estoy preparado para acabar en ninguna parte”.

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Las localizaciones son fundamentales para el entendimiento de la obra, Edward es de un pequeño pueblo llamado Ashton, lugar que, como hemos visto, es una pecera para él, sus aspiraciones son más grandes y allí no las puede realizar. Sin embargo, Ashton es también un lugar de confort, en él, es un pez grande, una celebridad local pero Bloom decide marcharse. Otro de los pueblos que aparecen es Espectro, reconozco que cuando vi la película por primera vez me quedé maravillada con ese lugar, todos sus habitantes descalzos, felices, sin preocupaciones ni problemas, viviendo en la más absoluta armonía, un lugar idílico y utópico… Sin embargo, Edward no quiere quedarse, ¿por qué? Porque igual que Ashton es una zona de confort, en Espectro, no existen las preocupaciones pero tampoco puedes tener aspiraciones. Hay un personaje, Norther Winslow, famoso poeta de Ashton que termina en Espectro, que igual que Bloom, huyó de su pueblo en busca de nuevas metas y retos personales, a pesar de ello, llegó a Espectro donde se quedó pero no consiguió escribir ni una sola poesía más. ¿Por qué se quitan los zapatos los habitantes de Espectro? Porque una vez llegas a la meta no necesitas caminar más, es decir, cuando acabas de trazar el camino de tu vida y te sientes realizado puedes sentarte y descansar. Por ello, Edward se niega a quedarse, tiene mucho camino por recorrer y, aunque no le importaría acabar su vida allí, siente que todavía no ha llegado el momento. Algo falta en la vida de Edward, está buscando algo pero no sabe qué es, ha salido de Ashton para realizar grandes cosas pero todavía no encuentra su objetivo… Hay un detalle importante en Espectro y es que, en el río del pueblo, Edward ve a una mujer desnuda bañándose pero, Jenny, una niña de Espectro, le dice que no es una mujer, sino un pez y que cambia de forma según quién lo mira. Esto es una pista para lo que será el próximo objetivo de Bloom, encontrar a la mujer de su vida.

“Eras un pez grande en un estanque pequeño, esto es el océano y te estás ahogando. Sigue mi consejo y vuelve a Villacharca. Allí serás feliz”.

Big Fish nos regala grandes lecciones de vida, la relación padre-hijo es realmente extraordinaria, nos enseña que no debemos juzgar a las personas porque, en realidad, no sabemos qué situaciones han tenido que vivir. Edward es un personaje que narra su vida a su manera pero no por ello tiene que ser todo mentira, al final, vemos que sus historias poseen un trasfondo real, sin embargo, él las embellece y esas historias le hacen inmortal. En algunas ocasiones, Edward puede parecer un hombre descuidado, que no se preocupa mucho por su familia, pues solía ausentarse bastante, a pesar de ello, vemos que quiere a su familia y que lucha por ellos. El amor es uno de los grandes motores de su vida, sus aventuras para llegar al corazón de Sandra son tan asombrosas como románticas. En definitiva, estamos ante una especie de fábula contemporánea, con sorprendentes historias y moralejas, personajes cotidianos y fantásticos que no deja indiferente a nadie.

“Un hombre cuenta sus historias tantas veces que al final él mismo se convierte en esas historias. Siguen viviendo cuando él ya no está. De esta forma, el hombre se hace inmortal”.

El Gran Gatsby

“Era mejor de lo que él mismo sabía. Real y literariamente, inventó una generación.” New York Times

Francis Scott Key Fitzgerald fue un novelista estadounidense perteneciente a la Generación Perdida. En sus obras retrata a la perfección el ambiente de la alta sociedad estadounidense.

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Su vida, como la de muchos jóvenes de la época, se vio interrumpida por la Primera Guerra Mundial. Su temprano interés por escribir y su miedo a morir en la guerra hicieron que escribiese su primera novela rápidamente para dejar un legado antes de marcharse. Sin embargo, los editores rechazaron dicha novela. En Camp Sheridan, Fitzgerald conoció a Zelda, con la que rápidamente se prometió y se fueron a vivir juntos. Enseguida, se dio cuenta de que las novelas no le aportaban suficientes ingresos, no podía mantener el estilo de vida opulento que deseaba, así que, decidió escribir historias cortas para revistas y vendió a Hollywood los derechos de autor para realizar películas basadas en su producción. Escribió cinco novelas y numerosas historias breves, las novelas más destacadas son A este lado del paraíso (1920),   El gran Gatsby (1925) y Suave es la noche (1934).

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El Gran Gatsby cuenta la historia del gran fracaso de Jay Gatsby, sin embargo, este hecho simboliza el fracaso de una generación, aquellos a los que denominaron la Generación Perdida, la generación a la que pertenecía Fitzgerald. Parece el reflejo cristalino del fracaso que sentía Fitzgerald, el fracaso de su sueño, de enriquecerse y poder vivir con ciertos lujos, el fracaso del famoso sueño americano.

Gatsby y Fitzgerald tienen cosas en común, ambos son jóvenes románticos con grandes expectativas para su vida, con ganas de comerse el mundo, de realizar su sueño americano. Ambos provenían de una familia humilde y se enamoraron de mujeres pudientes y acostumbradas a un buen nivel de vida. Por un lado, Fitzgerald conoció a Zelda, la que pasó a ser la mujer de su vida y con la que tuvo grandes altibajos en la relación. Por otro lado, Gatsby se enamora de Daisy Buchanan, pero su relación es interrumpida por la guerra y vuelve para enamorarla. Podemos ver en estas parejas claros paralelismos, uno de ellos los problemas que hubo para que su amor triunfase. Fitzgerald decidió hacer novelas cortas para poder solucionar sus problemas económicos y, así, darle un buen nivel de vida a Zelda. Esta decisión la criticó su gran amigo Hemingway, y supuso un distanciamiento entre ellos. Esto lo vemos reflejado en  Gatsby, en ese afán de dinero. Gatsby relaciona su desamor con los problemas de dinero, por lo que vuelve a acercarse a Daisy como un personaje rico, un gran magnate con turbios secretos y contactos que vive en la mansión de enfrente. Gatsby cree que, al ser un hombre poderoso, Daisy no podrá rechazarlo, sin embargo, Daisy nunca había dejado de amarle, a pesar de que la obligaron a casarse con Tom.

Fitzgerald y Zelda

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Gatsby y Daisy

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Tanto Zelda como Daisy son mujeres inocentes que  acaban contagiando sus delirios a Fitzgerald y Gatsby. Son mujeres incapaces de dejar su nivel de vida acomodado por amor. Daisy usaba a Gatsby como amante, pero no era capaz de dejar a Tom, que le proporcionaba su vida lujosa y con el que compartía una hija. Fitzgerald dio todo por Zelda, antes incluso de comprometerse, dejó de lado su verdadera vocación novelística para poder mantenerla y proporcionarle todo lo que ella quería.

El autobiografismo está presente en muchas de las obras de Fitzgerald. Por ejemplo, Suave es la noche cuenta la historia de un psicoanalista y su mujer a la que tiene que tratar como paciente. Esta obra es un reflejo de lo que sufrió Fitzgerald con la enfermedad de su amada Zelda, pues tenía una patología mental. Los personajes masculinos que aparecen en su producción literaria son héroes que acaban condenados, hombres llenos de sueños, y que, sin embargo, en lugar de conseguir el estrellato, se acaban estrellando. Sin lugar a dudas, los personajes femeninos que los acompañan son un reflejo de Zelda, todas guapas y con una personalidad compleja.

“Muéstrame un héroe y te escribiré una tragedia” Fitzgerald

Otro rasgo destacable de la novela son las fachadas, todos los personajes ocultan secretos. El más evidente es el de nuestro protagonista, ya que crea toda una gran mentira sobre su pasado para que se desconozcan sus inicios humildes. Gatsby es una mentira tras otra para lograr su objetivo. Sin embargo, a pesar de esas mentiras acaba siendo el personaje más noble, el que acaba realmente perjudicado en toda esta situación.

 

Película: El Gran Gatsby (2013)1

Filosofía, literatura y Matrix

“¿Alguna vez has tenido la sensación de no saber con seguridad si sueñas o estás despierto?”

Seguimos en la semana de la Ciencia y la Tecnología, esta entrada va a retomar algunas de las cuestiones que planteamos el otro día en https://palabrasenmascaradas.wordpress.com/2015/11/09/ciencia-tecnologia-y-por-supuesto-literatura/  y lo voy a hacer de la mano de una película que funde tecnología, filosofía y mitología. Os estoy hablando de la película Matrix, de los hermanos Wachowski estrenada en 1999.

Argumento

Matrix

La película nos presenta a Thomas A. Anderson (Keanu Reeves), un programador informático y hacker que trabaja bajo el pseudónimo de Neo. Siempre ha pensado que algo en nuestro mundo falla, hay algo que no termina de encajar y decide investigar por su cuenta, pronto, comienza a recibir mensajes que dicen cosas como: “Matrix te posee” y empieza a preguntarse qué es Matrix. Neo sabe de la existencia de un hacker conocido como Morfeo que podría darle respuesta a las preguntas que le persiguen desde hace años, así que, decide buscarlo. Una de las cosas que me llamó la atención la primera vez que vi la película es que en los primeros minutos tenemos una clara alusión a Alicia en el País de las Maravillas porque Neo debe seguir al conejo blanco para dar con Morfeo. Ese conejo blanco lo vemos en el tatuaje de una chica, él la sigue y conoce a Trinity, una hacker amiga de Morfeo que le llevará hasta él. La alusión a la obra de Carroll es interesante porque nos advierte que Neo está a punto de ‘caer por la madriguera’, es decir, va a descubrir un nuevo mundo. En su encuentro con Morfeo, Neo ansía conocer la verdad, lleva mucho tiempo atormentado y necesita respuestas, sin embargo, Morfeo le da dos opciones: tiene que elegir entre tomar una pastilla roja que le proporcionará las respuestas a sus preguntas aunque, como consecuencia, su vida nunca volverá a ser igual; por el contrario, puede tomar una pastilla azul con la que no recordará nada de lo sucedido y volverá a su vida anterior. Esta escena me recuerda bastante a una de la mencionada obra de Carroll, Alicia tiene que tomar una bebida y unos alimentos para cambiar de tamaño y, así, poder entrar al País de las Maravillas; a partir de este momento, nada será igual. Además, Morfeo le ofrece la pastilla roja diciendo “si tomas la roja te quedarás en el País de las Maravillas y yo te enseñaré hasta donde llega la madriguera de conejos”, por lo que la relación entre la obra literaria y la película se va haciendo cada vez más evidente. Neo, motivado por su curiosidad y sed de respuestas, toma la pastilla roja.

¿Qué es Matrix?

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Antes de responder a esta pregunta, me gustaría recalcar que la película Matrix está enmarcada en el género de la distopía, es decir, nos presenta un futuro en el que la humanidad vive sometida, esclavizada, en un caos o en unas condiciones que ninguno de nosotros desearía. Ya os adelanté algo sobre las distopías en https://palabrasenmascaradas.wordpress.com/2015/11/05/v-for-vendetta/. La película nos transporta a un futuro en el que la humanidad ha sido esclavizada por las máquinas, los avances científicos desmesurados han propiciado que los papeles se inviertan y, ahora, sean las máquinas las que tienen el control del mundo. Para comenzar a explicar qué es Matrix quiero hacer referencia al conocido Mito de la Caverna que nos propone Platón, según este mito, unos humanos están presos el-mito-de-la-caverna-de-platc3b3ndentro de una caverna, observando imágenes que se proyectan como sombras; para estos humanos, esas imágenes son la realidad, nunca han visto otra cosa y no dudan de su veracidad. ¿Qué sucede si sacamos a uno de esos humanos de la caverna? Al principio, le dolerán los ojos por la luz del Sol, no comprenderá qué es todo lo que le rodea pero, finalmente, descubrirá la verdad, se adaptará y aumentará su conocimiento. ¿Qué pasa si este humano vuelve a la caverna y les cuenta a sus compañeros lo que ha descubierto? Probablemente, no le crean y traten de matarlo. Matrix es una realidad virtual, el avance científico ha propiciado que las máquinas se hagan con el control del mundo, los humanos son una buena fuente de alimentación para las máquinas y son cultivados. La humanidad se encuentra esclavizada en campos pero ellos no son conscientes, están sumidos en un profundo sueño y creen vivir una vida normal. El mundo real es muy distinto del que nos presenta el programa informático, la Tierra está devastada, es un lugar gris y solo sobrevive una comunidad de humanos libres conocida como Sión. Los pocos humanos libres forman un ejército con el que pretenden liberar al resto de la humanidad, sin embargo, la propia humanidad esclavizada es un enemigo porque cuando los humanos libres entran en Matrix se ven atacados por las mentes de los esclavos. Esto lo explica Morfeo de la siguiente manera: “Son las mentes de los mismos que intentamos salvar. Pero hasta que no lo hagamos, siguen formando parte de ese sistema y eso hace que sean nuestros enemigos. (…) Muchos de ellos están tan habituados que lucharían para protegerlo”. Igual que en el mito de Platón, hay dos mundos, uno real y otro ficticio.

Pero en la película no solo vemos presentes las ideas de Platón, sino que también hay una clara influencia del filósofo francés René Descartes. Tanto Neo como Descartes dudan de su realidad y ambos se plantean cuestiones relacionadas con la veracidad de los sueños. El filósofo se había dado cuenta de que en numerosas ocasiones los sentidos le habían engañado y, en ocasiones, sus sueños parecían reales. De este modo, Descartes opta por dudar de todo, esto se conoce como ‘duda metódica’ y consiste en poner todo en duda hasta encontrar alguna verdad irrefutable. Descartes propone la hipótesis del genio maligno, Matrix no es real, es una ilusión creada por las máquinas (genio maligno); para Descartes, debemos preparar al ingenio, es decir, cualquier persona desconectada de Matrix tendrá que pasar por una serie de pruebas y entrenamientos con el fin de adaptarse, engañar y vencer a las máquinas. Los individuos están conectados a un sueño común pero ellos no saben que están soñando, esto me obliga a hacer referencia a dos autores españoles: Calderón de la Barca y Miguel de Unamuno. En La vida es sueño de Calderón, Segismundo, el protagonista, desconfía absolutamente de la veracidad de la vida, no es capaz de distinguir si lo que está viviendo es real o es un sueño, además, ha crecido en cautiverio. ¿Cómo podemos afirmar que no estamos soñando? Cuando soñamos no nos damos cuenta de que lo estamos haciendo, por tanto, ¿cómo podemos saber que nuestra vida no es un sueño? Unamuno se fija en Calderón y en Descartes y pondrá en práctica estas cuestiones en su novela (o ‘nivola’ como él la denomina) Niebla, en ella, nos presenta una ficción que es más real que los propios autores; para Unamuno, los personajes tienen una vida propia, el lector les hace vivir y lo que importa es cómo se revive la literatura. La vida es sueño porque somos lo que soñamos ¿Qué es el sujeto sino un sueño de la razón que quiere encontrar la realidad donde no la hay? Si somos lo que soñamos y llamamos realidad al sueño de todos en común no podemos saber qué es real. Lo realmente interesante es que, en Niebla, los personajes pueden salirse de su plano de la ficción y entablar conversaciones con el autor. El protagonista quiere tomar decisiones por sí mismo pero el autor le dice que eso no puede ser porque es producto de su imaginación y hará lo que él diga, por tanto, el personaje no es dueño de sus actos. El personaje se revela y le plantea cuestiones a Unamuno que le hacen dudar de su propia libertad.

El libre albedrío

Tanto en Matrix como en las obras que he mencionado anteriormente, se plantea la cuestión del libre albedrío. ¿Realmente somos dueños de nuestras decisiones? ¿Cómo podemos saber que no somos producto del sueño de otro? En la novela de Unamuno, el personaje le cuestiona al autor su propia existencia. Los personajes nacen de una lengua, de una herencia, así que, nosotros tampoco somos libres de pensar lo que pensamos. En Matrix, como hemos visto, los humanos han sido esclavizados por las máquinas, están soñando y creen que ese sueño es real, que les pertenece y, por tanto, tratarán de defenderlo para seguir viviendo en la ignorancia.

Conclusión

Como hemos visto, es una película con una fuerte base filosófica y con alusiones a la literatura. Plantea algunas de las cuestiones más recurrentes a lo largo de la historia de la filosofía y, además, al ser presentada como una distopía, nos invita a reflexionar sobre la influencia de las máquinas en nuestras vidas. Hoy en día, creemos ser dueños de las nuevas tecnologías pero ¿qué pasaría si un día se llegaran a desarrollar tanto que se adueñaran de nuestras vidas? La película es una lucha entre los humanos y las máquinas, algo que resulta curioso teniendo en cuenta que las máquinas que nos dominan han sido creadas por el hombre, por tanto, nos invita a pensar en las consecuencias de nuestros actos. La verdad es que se podrían seguir tratando muchas cuestiones de la película, podríamos hablar de los personajes y su relación con la mitología griega e, incluso, con la ya mencionada Alicia en el País de las Maravillas; podríamos seguir tratando el tema del libre albedrío, la religión y otras propuestas que se nos plantean a lo largo de la película. A pesar de ello, creo que, aunque de forma superficial, hemos logrado tratar los temas principales de la película. Espero que os haya invitado a la reflexión, a leer las obras que hemos mencionado y a volver a ver la película.

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V for Vendetta

“Recuerden, recuerden, el 5 de noviembre. Conspiración, pólvora y traición. No veo la demora y siempre es la hora de evocarla sin dilación”.

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Un día como hoy hace 410 años se intentó llevar a cabo un complot conocido como Conspiración de la pólvora. Guy Fawkes y Robert Catesby lideraban un grupo de provinciales católicos ingleses que pretendían volar por los aires las casas del Parlamento. Su plan era secuestrar a los infantes reales, matar al rey Jacobo I y a gran parte de la aristocracia protestante. Esta iniciativa surgió por las constantes represiones a las que estaban siendo sometidos los católicos, sin embargo, el complot fue descubierto y no se pudo llegar a realizar. Como consecuencia, los conspiradores fueron capturados y ejecutados, aunque, otros fueron sometidos a juicio y posteriormente ejecutados como le ocurrió a Fawkes.

El fracaso de esta conspiración ha dado lugar a lo que se conoce como La noche de Guy Fawkes (Bonfire Night), esta celebración consiste en la conmemoración de la noche del 5 noviembre de 1605. Las ciudades inglesas se llenan de hogueras y fuegos artificiales. Durante esta celebración, se quemaban imágenes de Fawkes en las hogueras y los niños pedían un penique diciendo: “Penny for the guy” y, con ese dinero, compraban petardos. Actualmente, la fiesta carece de ese significado anticatólico que tenía en su origen; ya no se queman únicamente imágenes de Guy Fawkes, sino que arden figuras de personajes públicos actuales.

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Este personaje goza de gran repercusión en la actualidad gracias a la publicación de la serie de cómics de Alan Moore V de Vendetta. A simple vista, no consideramos los cómics como parte de la literatura, sin embargo, poseen ciertas características que también están presentes en la literatura. En mi opinión, decir qué es y qué no es literatura es algo muy complicado porque los límites están borrosos. Por ejemplo, existe la idea de que literatura está vinculada a la fantasía y la imaginación, pero si tomamos esta idea como cierta nos daremos cuenta de que obras que estudiamos como literatura no podrían formar parte de ella (El diario de Anna Frank, A sangre fría). También podemos pensar que la literatura requiere de una cierta manipulación del lenguaje por parte del escritor y, si analizamos muchas de las obras que leemos como literarias, nos daremos cuenta de que algunas no han sufrido tal manipulación. ¿Por qué un cómic no es literatura? Realmente, no podemos afirmar nada, lo que está claro es que hay ciertos elementos del cómic que han sido recogidos por la literatura y viceversa. ¿Qué nos presenta el cómic de Moore? Principalmente, una distopía, es decir, una antiutopía o sociedad ficticia no deseable.

Esta serie comenzó a publicarse en 1982 y nos presenta un futuro ficticio tras la Tercera Guerra Mundial. Los acontecimientos tienen lugar en una Inglaterra liderada por el partido ultraderechista Fuego Nórdico que recorta absolutamente todas las libertades civiles. En este contexto, aparece un personaje llamado V, un anarquista enmascarado que decide tomarse la venganza por su mano y luchar por sus ideales. Es un personaje muy culto cuyas palabras suelen ser citas de grandes autores de la literatura. Nunca desvela su identidad y él mismo afirma que bajo la máscara de Guy Fawkes que utiliza no hay carne ni sangre, sino una idea.

La obra de Moore fue llevada al cine en 2005, la adaptación cinematográfica presenta bastantes diferencias con la novela gráfica, por ejemplo, en el cómic la acción tiene lugar entre 1997 y 1998 y, en la película, los hechos transcurren en un futuro más lejano. La historia de Moore buscaba ser una respuesta al thatcherismo británico pero la versión cinematográfica sufrió algunas modificaciones para poder enmarcarla en el contexto político moderno. Además, algunas tramas fueron suprimidas porque alargarían demasiado la película.

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“Los símbolos tienen el valor que les da la gente, por sí solo un símbolo no significa nada”.

Gracias a la popularidad del cómic y su adaptación, las máscaras de Guy Fawkes son muy utilizadas en la actualidad. Es frecuente encontrarlas en manifestaciones contra políticos, bancos e instituciones financieras; además, la máscara la asociamos al grupo hacktivista Anonymous. ¿Por qué de repente la máscara de Guy Fawkes es tan popular? ¿Todos los que la llevan conocen su verdadero significado? Lo que ha ocurrido es que la imagen de Fawkes se ha mitificado, como explicamos en la entrada https://palabrasenmascaradas.wordpress.com/2015/10/21/mitos-y-leyendas/ al añadirle un nuevo significado al signo lingüístico surge un nuevo signo que conocemos como mito. Es decir, cuando vemos una máscara de Fawkes en la actualidad no pensamos solamente en el católico británico de 1605, sino que asociamos su imagen a la revolución, a la libertad y a la lucha por los ideales. Estoy segura de que mucha gente lucirá la máscara con orgullo sin saber realmente de quién se trata. La cultura popular, una vez más, crea mitos; en ocasiones, la literatura actual nos impone sus ideas casi sin que nos demos cuenta pues, hoy en día, la literatura no es más que un negocio y necesita clientes; otras veces, nos ayuda a despertar, a ver la realidad y nos invita a reflexionar. En mi opinión la distopía es un buen recurso para ello porque nos muestra una sociedad en la que no nos gustaría vivir, no es real, es ficción y eso nos permite ser más críticos; salimos de nuestra piel, vemos desde fuera los errores de esa sociedad y pensamos cómo podría mejorarse. Sin embargo, en algún momento de esa ficción nos damos cuenta de que esa sociedad no es tan distinta a nuestra realidad, normalmente se ha llevado al extremo pero, encontramos ciertas similitudes con nuestra vida cotidiana que nos invitan a pensar en cambios y posibles soluciones.

“El pueblo no debería temer a sus gobernantes, son los gobernantes los que deberían temer al pueblo”.

Quería realizar hoy esta entrada porque estamos a 5 de noviembre y me parecía oportuno hablar de V de Vendetta. Podría extenderme mucho más y analizar la obra y a su peculiar protagonista pero, lo que me interesa es que entendamos los mitos de la actualidad y que pensemos la literatura, que vayamos más allá del significado literal de las palabras. Leer no es solo evadirse de la realidad, a veces, nos ayuda a comprenderla aunque nos haga sentir incómodos, esto mismo puede aplicarse al cine y a todas las artes.

Me despido con el famoso discurso que V realiza en la película:

El Resplandor

Stephen-KingStephen King nació en Portland en 1947, no hay duda de que es uno de los escritores más reconocidos de nuestros tiempos. Es autor de una larga lista de títulos entre los que destacan algunos como: Carrie, Misery o The Shining (El Resplandor). Muchas de sus obras se han llevado a la gran pantalla, algo que le ha ayudado mucho en su trayectoria como escritor. King destaca en el género del terror y el misterio, siendo uno de los autores favoritos para los seguidores de estos géneros. Además, en el año 2000 publicó un libro titulado On writing: a memoir of the craft en el que incluye una pequeña autobiografía en la que nos narra sus primeras experiencias con la escritura, habla de su primera novela Carrie, de sus intentos por escribir en la infancia, la relación con su familia etc. Pero lo verdaderamente interesante de esta obra es que aporta una serie de pautas para ser un buen escritor, habla de cómo realiza sus trabajos y aconseja a futuros escritores. De esta manera, podemos conocer más a fondo su faceta de escritor, inquietudes etc. King es un autor que posee un largo recorrido como lector y esto se ve muy reflejado en sus obras, recibe influencia de numerosos autores entre los que destacan Lovecraft y Poe. La obra que vamos a tratar es El Resplandor y está inspirada en el cuento de Edgar Allan Poe La Máscara de la Muerte Roja, vemos muchas referencias a este cuento a lo largo de toda la obra; también podemos encontrar cierta relación con El gato negro, los protagonistas de ambas obras tienen problemas con el alcohol, comienzan a comportarse de forma violenta y, finalmente, cometen actos atroces; os dejo un enlace en el que hablamos de Poe y El gato negro por si queréis ampliar información sobre este autor.

https://palabrasenmascaradas.wordpress.com/2015/10/25/el-gato-negro/

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El argumento de El Resplandor se centra en la relación de Jack Torrance con su familia. Jack es un profesor y escritor alcohólico que perdió su empleo por golpear a un estudiante, está casado con Wendy que le apoya en su lucha contra el alcoholismo y ambos tienen un hijo, Danny, que posee un don un tanto particular. Este don se conoce como ‘resplandor’ y le permite hablar con su amigo imaginario Tony, en realidad, el resplandor hace que Danny pueda contactar con espíritus y le aporta poderes telepáticos. Jack consigue una oferta de empleo en el hotel Overlook, es un hotel bastante aislado que permanece cerrado durante el invierno, el trabajo de Jack consistirá en pasar allí el invierno junto a su familia y cuidar del hotel. Esta parece una buena oportunidad para superar los problemas familiares y el alcoholismo de Jack. Al llegar al hotel conocen a Dick Halloran, cocinero del Overlook, que posee, igual que Danny, el resplandor. La familia desconoce el escalofriante pasado del Overlook pero, poco a poco, comienzan a suceder cosas extrañas, los espíritus que habitan el hotel tratarán de poseer a Danny pero encontrarán dificultad y comenzarán a poseer a Jack. El hotel tiene personalidad propia y es capaz de manejar a su antojo a vivos y muertos. Jack no resulta un objetivo difícil porque es vulnerable, se refugia en el alcohol para encontrar inspiración, ha perdido su trabajo y la relación con su familia no es demasiado buena en ese momento. Progresivamente, Jack va mostrando síntomas de locura y delirios, comienza a tener visiones extrañas etc. Finalmente, el Overlook consigue poseerlo por completo con la intención de que asesine a su familia y, de este modo, quedarse con las habilidades mentales de Danny. Es una novela que presenta un componente autobiográfico pues, King, igual que Jack, se encontraba sin inspiración y solía acudir al alcohol, además, en ese momento tenía varios problemas familiares. Podemos decir que Jack Torrance es un reflejo del propio autor en el momento en que escribió la obra.

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Esta novela es especialmente conocida por su adaptación a la gran pantalla. Dirigida por Stanley Kubrik y protagonizada por Jack Nicholson es una de las películas de terror más conocidas de todos los tiempos. Se llevó al cine en 1980 y, aunque al principio no fue demasiado bien recibida, con el tiempo ha ido ganando seguidores. Sin embargo, King nunca se mostró orgulloso de esta adaptación porque hay bastantes diferencias respecto a la novela, por ejemplo, en el libro, Jack es una persona inestable antes de llegar al hotel pero en la película es un hombre corriente sin ningún tipo de problema. Además, en el libro Wendy es una mujer fuerte, ocurre todo lo contrario en la película; en el libro la historia se centra en el punto de vista del niño y en la película en el de Jack. Cabe añadir que el desenlace tampoco coincide entre novela y película. La película nos sumerge en la personalidad de Jack, vivimos la posesión progresivamente, recorremos los interminables pasillos del Overlook junto a Danny… Es realmente agobiante visualmente, además, los personajes se encuentran aislados, incomunicados en un hotel enorme y lleno de espíritus, es de esas películas con las que de verdad puedes llegar a sentir miedo y angustia.

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Creo que debemos ver la película de Kubrik como algo independiente del libro, como si simplemente estuviera inspirada en él; si la tomamos como adaptación es cierto que echaremos en falta algunas cosas y otras, que en el libro no aparecían, pueden parecernos un acierto. Personalmente, novela y película me gustan, cada una tiene lo suyo, por ejemplo, me quedo con la Wendy del libro pero hay ciertas escenas de la película que me parecen auténticas joyas como la escena del laberinto o la de la máquina de escribir. No quiero alargarme mucho más para evitar contar el final o dar demasiadas pistas a quien no haya leído el libro o no haya visto la película. Os dejo una de mis escenas favoritas que creo que está grabada en la memoria de todo aquel que haya visto la versión de Kubrik.

Para finalizar, me gustaría añadir que, debido al descontento de King con la versión cinematográfica, en 1997 el propio escritor realizó el guion para una miniserie basada en la novela y dirigida por Mick Garris. El Resplandor, gracias a su adaptación al cine, ha conseguido estar muy presente en la cultura popular, encontramos referencias a ella en cine, series, música etc. Por eso, he decidido dejaros con un pequeño ejemplo de esto, la famosísima serie de televisión Los Simpson realizó su peculiar versión de la misma, creo que merece la pena verla y además es bastante similar a la película de Kubrik.

“All work and no play makes Jack a dull boy”.

La semilla del diablo / El bebé de Rosemary

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La semilla del diablo o Rosemary’s baby, en la versión original, es una obra de Ira Levin, aunque, seguramente os resulte bastante más familiar su adaptación cinematográfica. No tenía en mente realizar esta entrada y, la verdad, es que ha surgido un poco de casualidad. Tenía preparadas otras entradas para estos días pero, de repente, me acordé de la película de Polanski y decidí ponerme a escribir.

Ira Levin fue un escritor estadounidense de origen judío y su especialidad fue la literatura de suspense. Algunas de sus obras son: Un beso antes de morir, Las poseídas de Stepford, Silver y, por supuesto, Rosemary’s baby. He de decir respecto a la novela que vamos a tratar que no soporto la traducción del título que se hizo en España, prefiero la original o la versión para Hispanoamérica (El bebé de Rosemary). Me parece una traducción bastante mala porque nos destripa la esencia de la obra; no voy a detenerme más en esta cuestión pero quería mencionarla porque la traducción es casi tan importante como la obra misma; no es un trabajo fácil y la labor del traductor requiere de mucha creatividad pero, en este caso, me parece que se pasaron de creativos.

La novela

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Rosemary y Guy forman un joven matrimonio que decide mudarse a un edificio de apartamentos de la ciudad de Nueva York. Guy es un actor un tanto frustrado que hace todo lo posible por conseguir un papel importante para su carrera. A su llegada al edificio, conocen a Roman y Minnie Castavet, unos ancianos vecinos bastante extraños. Rosemary se muestra bastante reacia a entablar relación con ellos porque los encuentra extraños, sin embargo, el matrimonio resulta muy RosemarysBaby_071Pyxurzinsistente y entrometido, intentando siempre entablar una amistad con la joven pareja. A diferencia de su esposa, Guy se siente cómodo con los nuevos vecinos y desarrolla una buena relación con los Castavet. Curiosamente, al poco tiempo de mudarse, Guy recibe una importante oferta de Broadway y Rosemary se queda embarazada. Al enterarse del embarazo, los Castavet se vuelven todavía más insistentes, obsequian a Rosemary con alimentos y otros objetos, además, empiezan a preocuparse mucho por su salud, le recomiendan un ginecólogo etc.

La película

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La película, ganadora de un Óscar a la mejor actriz de reparto, se rodó en 1968, fue dirigida por Roman Polanski y protagonizada por Mia Farrow, John Cassavetes, Ruth Gordon y Sidney Blackmer. La trama, igual que en la novela, gira en torno al bebé de Rosemary, la sospechosa actitud de sus vecinos al enterarse de su embarazo y el repentino ascenso de Guy en su carrera como actor. En ningún momento dejas de prestar atención, te envuelve en una atmósfera misteriosa y logras ponerte en la piel de Rosemary. Mantiene la tensión de principio a fin, se viven momentos de angustia sin la necesidad de escenas sangrientas o desagradables, todo es psicológico. Debemos tener en cuenta que fue muy revolucionaria para su época, especialmente, por la famosa escena de la concepción y por desvelar numerosas claves del satanismo. Actualmente, estamos acostumbrados a ver violencia en películas que no son violentas, a ver sangre y escenas desagradables a cualquier hora del día, por ello, puede que Rosemary’s baby no nos parezca nada extraordinario a simple vista pero debemos ponernos las gafas de 1968 para comprender lo controvertida que pudo llegar a ser.

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El encanto de esta película reside, precisamente, en no mostrar; nos hallamos frente a un terror psicológico que nos mantiene alerta hasta el final, esperando el nacimiento del bebé durante el agónico embarazo. Una de las cosas que más me gusta de la película es que toda la trama ha girado en torno al hijo de Rosemary, nosotros sabemos quién es el verdadero padre y ella lo ignora; comenzamos a imaginar cómo será su aspecto cuando nazca y, en el momento de máxima expectación, justo cuando nos van a descubrir su cara, nos la ocultan. Para mí, esto es algo mágico que permite dejar volar la imaginación, es como si no hubiéramos perdido la esencia de los libros. Cuando leemos tenemos que imaginarnos los detalles, confiar en las descripciones que nos da el autor, pensar cómo será cada paisaje o personaje, algo que, con el cine, se pierde. Polanski no nos enseña al bebé pero vemos la expresión de su madre al descubrirle la cara, describe los ojos de su hijo horrorizada y, en ese momento, cada uno de nosotros está viendo al bebé, los ojos del bebé, pero desde nuestra imaginación. No hay nada más terrorífico que nuestra propia imaginación, cada uno sabe qué es lo que le asusta, lo que le gusta, disgusta etc. Por eso, en mi opinión, el hecho de que en una película nos den la oportunidad de imaginar me parece algo extraordinario. La película nos deja una especie de sabor agridulce al final porque, después de tanto esperar, no sabemos qué aspecto tiene el hijo de Rosemary. A pesar de ello, el poder de la imaginación es enorme y aterrador; al final de la película, vemos la imagen de unos terroríficos ojos amarillos, Polanski no estaba de acuerdo en mostrar ninguna imagen del bebé pero, finalmente, le convencieron de agregar esta última escena. Creo que la idea original de Polanski es excelente y yo hubiera preferido que no nos mostraran los ojos, aunque, tampoco creo que estropee la imagen mental de cada uno de nosotros.  Para refrescaros la memoria os dejo este vídeo con la escena en cuestión:

Curiosidades

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No solo la película y la novela son misteriosas sino que el rodaje de la misma también se vio envuelto en el misterio. El escenario elegido para el rodaje fue el conocido edificio Dakota en Nueva York, este lugar era famoso porque, en él, residían importantes celebridades. Sin embargo, tuvieron problemas para rodar allí desde el principio porque a Polanski no terminaba de gustarle y algunos vecinos se opusieron, de modo que, solo utilizaron el edificio para los exteriores. Estos apartamentos habían estado vinculados desde hacía años al satanismo y la brujería, se dice que Boris Karloff, conocido actor y residente del edificio, había realizado algunos rituales en él. La obra de Levin se había vinculado al satanismo y se cree que el autor puedo haber hablado con el Papa Negro para asesorarse sobre estos rituales; algunos fanáticos de la secta conocida como ‘La Familia’, fundada por el conocido asesino Charles Manson, se manifestaron contra el rodaje de esta película y amenazaron a Polanski. Un año después, varios miembros de la secta acudieron a una fiesta en la que se encontraba Sharon Tate, esposa del director que estaba embarazada de 8 meses, y asesinaron a 5 personas, entre ellas, a Tate. Por si esto fuera poco, en 1980 fue asesinado John Lennon a las puertas del edificio Dakota, lugar en el que residía el músico.

Espero que os haya gustado y os invito tanto a leer la novela como a disfrutar de la película si todavía no lo habéis hecho.

El barbero diabólico de la calle Fleet

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Hoy os traigo una de las leyendas más conocidas y macabras de Londres, la leyenda de Sweeney Todd. Vamos a trasladarnos al Londres de los siglos XVIII y XIX, la ciudad era peligrosa y existían muchas enfermedades, el riesgo de contagio era muy grande, especialmente, para los más desfavorecidos. Cuenta la leyenda que Benjamin Barker era el hijo de un trabajador de la seda que tenía problemas con el alcohol, el pequeño Benjamin tuvo que comenzar a trabajar muy pronto y a la edad de 13 años sus padres desaparecieron en misteriosas condiciones. El joven huérfano se vio obligado a delinquir para subsistir y esto le llevaría a pasar 15 años en la prisión de Newgate. Allí, aprendió el oficio de barbero, a diferencia de la actualidad, los barberos de la época tenían conocimientos de anatomía y podían realizar algunas operaciones quirúrgicas. Al salir de prisión, Barker adoptó el nombre de Sweeney Todd y montó una barbería en la calle Fleet. Durante un tiempo comenzó a desaparecer gente de la ciudad en circunstancias extrañas, las personas desaparecidas pertenecían a la aristocracia; Sweeney, durante su estancia en prisión, había desarrollado un gran odio hacia la alta sociedad londinense. Durante años, el barbero se dedicó a degollar aristócratas en su barbería pero, no lo hacía solo, sino que contaba con la ayuda de su amante Margery Lovett. Gracias a ella, Sweeney pudo perfeccionar sus crímenes, juntos montaron una tienda de pasteles de carne que conectaba con la barbería por un subterráneo en el que guardaban los cadáveres. La pastelería de la señora Lovett era todo un éxito y numerosos clientes se aproximaban día tras día a probar sus deliciosos pasteles de carne, lo que nadie sabía es que la carne utilizada provenía de las víctimas de Todd. Años después, la policía londinense descubrió las atrocidades de la pareja, la señora Lovett se suicidó antes de ser juzgada y el señor Todd fue condenado a muerte. Se le atribuyen alrededor de 160 asesinatos.

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Actualmente, no se ha podido comprobar si estos hechos son ciertos, carecemos de pruebas fotográficas del barbero pero, gracias a unos viejos archivos de la prensa inglesa tenemos una pequeña descripción: pelirrojo, pálido y de rasgos atemorizantes. Existen otras teorías sobre Sweeney Todd, hay quienes afirman que nunca existió, quienes dicen que no fue capturado o que la prensa de la época exageró los acontecimientos. Sea real o no, la leyenda de Sweeney Todd es una de las más productivas de la historia pues ha dado lugar  a varias obras literarias, un musical y hasta se ha llevado al cine.

The String Pearls: A Romance

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Es la primera publicación literaria que tenemos del barbero diabólico, apareció en la revista The People’s Periodical and Family Library dividida en 18 partes que se fueron publicando semanalmente. Probablemente fue escrito por Thomas Prest que, además, buscaba su inspiración en sucesos publicados en el periódico The Times y, por tanto, sus historias tenían una base real. The String of Pearls es, en realidad, lo que se conoce como ‘Penny dreadfuls’, es decir, novelas de baja categoría que trataban temas violentos y gore. Sin embargo, en la época mucha gente se enganchaba a estas historias y estaba pendiente de sus publicaciones.

Teatro y Literatura

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La leyenda de Sweeney Todd se volvió tan popular que inspiró la obra teatral de Christopher Bond Sweeney Todd, the Demon Barber of Fleet Street (1970) y esta, a su vez, fue la utilizada por Stephen Sondheim para su adaptación al musical estrenado en Broadway en 1979. El musical gozó de gran aceptación y recibió numerosos premios. Además, antes de estas adaptaciones, en 1936 George King dirigió una película inspirada en esta historia, protagonizada por Tod Slaughter y titulada Sweeney Todd, the Demon Barber of Fleet Street.

Adaptación cinematográfica de 2007

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La versión más reciente que tenemos del barbero diabólico es la adaptación cinematográfica de 2007 realizada por Tim Burton. Esta película toma las canciones compuestas por Sondheim y las lleva al cine de la mano de actores como: Johnny Depp (Sweeney Todd), Helena Bonham Carter (la señora Lovett) y Alan Rickman (juez Turpin). La trama es similar a la que contaba la leyenda original; sin embargo, en esta historia Benjamin Barker era barbero antes de ser encarcelado injustamente. El juez Turpin estaba enamorado de la esposa de Barker y ordena condenar al barbero a trabajos forzosos en Australia durante 15 años, la acusación es falsa y Barker jura vengarse. Mientras, Turpin se aprovecha de la mujer de Benjamin y encierra a su hija. Años después, Barker regresa a Londres bajo el nombre de Sweeney Todd, conocerá a la señora Lovett y juntos emprenderán su atroz aventura.

Una vez más, vemos como de una pequeña leyenda popular, que a día de hoy todavía no ha podido demostrarse su veracidad, surgen diversas obras tanto literarias, como cinematográficas o musicales. A veces, la realidad supera a la ficción y, aunque no sabemos si Todd existió realmente, lo cierto es que la literatura no deja de alimentarse de la cultura popular.

“No, nada de Barker. Ese hombre ha muerto. Ahora soy Todd. Sweeney Todd. Y se hará venganza”.

La leyenda de Sleepy Hollow

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“Sin embargo, el espíritu que campea a sus anchas por esta región encantada, y que parece ser el jefe supremo de todos los poderes del aire, es el espectro de un jinete sin cabeza. Algunos dicen que es el fantasma de un mercenario alemán a quien una bala de cañón le voló la cabeza en alguna batalla anónima durante la guerra de la Independencia, y a quien los lugareños, de vez en cuando, ven pasar a toda prisa en las sombras de la noche, como si fuera en alas del viento. Algunos de los historiadores más fiables […] sostienen que el cuerpo del jinete fue enterrado en la ermita y que, desde allí, el fantasma cabalga hacia el escenario de la batalla en nocturna búsqueda de su cabeza […]. Tal es el tenor de esta superstición legendaria, que ha proporcionado material para muchas historias delirantes en aquella región de sombras: al espectro se le conoce en todos los hogares de la comarca con el nombre del Jinete sin Cabeza de Sleepy Hollow” (Washington Irving, La leyenda de Sleepy Hollow)

Hoy quiero hablaros de una famosa historia de terror que suele ocupar la pequeña pantalla en fechas próximas a Halloween por la brillante versión cinematográfica de Tim Burton. Es un relato breve de terror escrito por Washington Irving en 1820, en su colección The Sketch Book of Geoffrey Crayon. Por si no lo habéis adivinado ya, os estoy hablando de La leyenda de Sleepy Hollow, también conocida como La leyenda del Jinete sin Cabeza. Sleepy Hollow es el nombre de una pequeña villa del pueblo de  Mount Pleasant en el condado de  Westchester (Nueva York, Estado Unidos). En este lugar se encuentra la iglesia Old Dutch Church of Sleepy Hollow, en la que se inspiró Irving para su relato. Junto a la iglesia, se encuentra el cementerio de Sleepy Hollow, donde precisamente se encuentra enterrado Washington Irving.

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No quiero aburriros con datos biográficos del autor, simplemente me gustaría señalar que Washington Irving fue el primer norteamericano en alcanzar la celebridad como escritor profesional, y por eso numerosas calles y ciudades de los Estados Unidos llevan su nombre. Tiene un estilo coloquial que después fue usado por autores de la talla de Hemingway. Capta el espíritu romántico utilizando la fantasía y las leyendas, de lo que es ejemplo nuestro relato a comentar.

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La leyenda del Jinete sin Cabeza se sitúa en 1784, concretamente en un apartado valle llamado Sleepy Hollow, conocido por sus fantasmas y el ambiente embrujado. Uno de estos espíritus es el Jinete sin Cabeza, un antiguo soldado que murió por una bala de cañón en la cabeza, motivo por el que pasa las noches cabalgando en busca de su cabeza. Ichabod Crane es un supersticioso profesor de escuela que acude a una fiesta que organiza la familia Van Tassel, en la que pretende declararse a la joven Katrina Van Tassel. Esta joven tenía más pretendientes, entre ellos un lugareño llamado Brom, que no iba a dejarle el camino tan fácil al profesor. Sin embargo, al escuchar las historias terroríficas que cuentan los lugareños se marcha cabalgando por un espeluznante bosque. El bosque oscuro y lúgubre le hacía pensar en todas las historias de miedo que había oído…y sus peores pesadillas se hicieron realidad, el Jinete sin Cabeza aparece detrás de él. El profesor intenta escapar del jinete, pero finalmente, al llegar a un puente el jinete corta la cabeza de su caballo. A la noche siguiente, Ichabod había desaparecido, mientras que Brom acaba casándose con Katrina.

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El final de la historia está abierto a interpretaciones, aunque parece insinuar que es Brom el Jinete sin Cabeza porque es el único que cuenta detalles de la desaparición del profesor, siendo que allí solo encontraron su sombrero, su caballo y una calabaza destrozada. ¿Qué opináis vosotros? ¿Existe realmente dicho jinete o es solo una forma de espantar a su rival y así poderse casar con la joven Katrina? ¿Podría estar Brom controlando al jinete?

Este terrorífico relato se ha llevado en varias ocasiones a la gran pantalla:

  • El Sin Cabeza (1922), una película muda dirigida por Edward Vebturini y protagonizada por Will Rogers.
  • La leyenda de Sleepy Hollow y el Señor Sapo (1949), una versión de Walt Disney que resulta ser bastante fiel al relato de Irving.
  • Sleepy Hollow (1999), película dirigida por el gran director Tim Burton, contando con las actuaciones de Johnny Depp como Ichabod Crane, Christina Ricci como Katrina Van Tassel y Christopher Walken en el rol del Sin cabeza. En este caso nuestro protagonista investiga lo sucedido en el pueblo de Sleepy Hollow y acaba descubriendo una trama de brujería relacionada con el Jinete sin Cabeza. Para mí la magia de este relato reside en el recurrente tema romántico de la naturaleza, que nos sitúa en un ambiente tétrico y lúgubre, los alrededores de Sleepy Hollow. Irving crea la atmósfera perfecta para que se desarrollen los extraños sucesos relacionados con el jinete, y esto lo ha sabido plasmar Tim Burton en su película.

Pero también ha tenido apariciones en la pequeña pantalla. En 2009 aparece en la serie Entre Fantasmas, en el que el jinete sin cabeza atormenta a Melinda cuando su hijo se encuentra un misterioso libro que contiene ese relato. En 2013 apareció una serie de televisión estadounidense llamada Sleepy Hollow por Roberto Orci, Alex Kurtzman, Phillip Iscove y Len Wiseman.

The Nightmare Before Christmas

Como ya os avanzamos en la entrada anterior, vamos a dedicar nuestras próximas publicaciones hasta el día 2 de noviembre al terror. Halloween se acerca, empezamos a ver carteles que anuncian fiestas, las tiendas de disfraces se visten de gala, las películas de terror abundan en la pequeña pantalla y las calles huelen a castañas. En estas fechas, no puedo evitar sentir un gran deseo de ver la película  The Nightmare Before Christmas, aunque la festividad en torno a la cual gira la película es Navidad y no Halloween, los hechos suceden en la ciudad de Halloween cuyos peculiares habitantes y decorados nos envuelven en una atmósfera tétrica y misteriosa, en otras palabras, es la película perfecta para disfrutar a cualquier edad en la víspera de Todos los Santos. Es una de esas películas que no me canso de ver, uno de los grandes clásicos de Tim Burton que, a pesar del paso del tiempo, no envejece. Para aquellos que no la hayan visto (dudo que sean muchos) la película tiene lugar en la ciudad de Halloween, es decir, la localidad que se encarga de preparar durante todo el año dicha festividad para que sea todo perfecto. Todos sus habitantes son partícipes y durante todos los días del año trabajan muy duro para llevar a cabo este evento, no conocen otra fiesta, no conocen otra vida.

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Sin embargo, la celebridad local, Jack Skellington, sufre de una fuerte depresión motivada por su rutinaria vida que consiste en preparar un día tras otro durante todo el año la fiesta de Halloween y, además, cuando finaliza tiene que volver a empezar para preparar la del año siguiente; por otro lado, sus vecinos son completamente ajenos a la depresión que sufre Jack. El protagonista, cansado de su rutinaria vida y sumido en una profunda tristeza, sale a dar un paseo junto a su perro fantasma Zero llegando por accidente a un círculo de árboles en el bosque. No son árboles normales, pues poseen unas pequeñas puertas que conducen a ciudades como Halloween pero que se encargan de preparar otras festividades (Navidad, Pascua, Acción de Gracias, San Patricio…), Jack se siente atraído por una puerta en forma de árbol decorado con bolas de colores. Abre la puerta y llega a la ciudad de Navidad, allí todo le resulta extraño y diferente, no logra comprender qué están preparando. Tras este viaje, Jack regresa a Halloween con la intención de celebrar la Navidad, todos los vecinos colaboran y se desencadenan una serie de problemas.

¿Por qué os estoy hablando de esta película si debería hablar de literatura? Lo cierto es que esta película surge a partir de un poema que el propio Burton escribió, poema  del que, actualmente, disponemos en internet y en la edición de lujo de la película. Es frecuente encontrar adaptaciones cinematográficas de obras literarias, esto es algo que se ha dado siempre en el cine y que, en los últimos años, está teniendo una gran repercusión en las sagas de fantasía y ciencia ficción. Sin embargo, pensar que de un poema puede salir una película puede resultarnos curioso, especialmente, teniendo en cuenta que el poema lo escribió una década antes de la realización de la película. En mi opinión, tanto poema como película son extraordinarios. La película está realizada con ‘stop motion’, técnica que también vemos en otras de sus películas como La novia cadáver. Podemos decir que The Nightmare Before Christmas es una de las películas más representativas del director estadounidense, cuando vemos la cara de Jack no podemos evitar pensar en Burton y viceversa. Una de las cosas que más me gusta de Pesadilla es la banda sonora compuesta, como en casi todas las películas de Tim Burton, por Danny Elfman; creo que cualquier persona nacida en los 90 reconocerá en seguida las primeras notas de This is Halloween.

Retomando la parte literaria de la película, me gustaría destacar que, en la versión original en inglés, el poema es narrado por Christopher Lee, amigo y actor recurrente en las películas de Burton, como bien sabemos falleció hace unos meses y, por eso, con esta entrada me gustaría hacerle un pequeño homenaje. Seguramente recordéis a Lee de sagas como El Señor de los Anillos, Drácula o Star Wars, entre otros muchos trabajos. Escuchar al actor leyendo el poema The Nightmare Before Christmas es una auténtica maravilla, nos transporta a la ciudad de Halloween, al cementerio y la montaña espiral… Os invito a que cerréis los ojos mientras escucháis a Lee recitando este poema.

He de decir que no he querido poner ninguna versión traducida, principalmente, porque quería dedicarle parte de la entrada a Christopher Lee y porque, en mi opinión, con la traducción se pierde la esencia del poema. De todas formas, existen numerosas versiones recitadas en español a vuestra disposición.

Para despedirme quiero dejaros con un pequeño adelanto de un autor del que voy a hablar en las próximas entradas dedicadas a Halloween, el poeta norteamericano Edgar Allan Poe. Aquí os dejo con The Raven recitado también por Christopher Lee.