El esperpento de Valle-Inclán

 

1197041695_f

Valle-Inclán arrastra su propia leyenda, construida por él, por la visión que sus contemporáneos nos proporcionan de su particular comportamiento y, mediante las biografías que se han escrito. La colección definitiva donde coloca sus obras es Opera Omnia, es decir, lo que él considera sus obras completas. En este gran proyecto irá integrando poco a poco las distintas obras sueltas que había ido publicando con anterioridad. La idea en Opera Omnia es proporcionar una ordenación general de su obra, siendo el tomo primero un tratado de estética llamado La lámpara maravillosa, donde hace una introducción estética a su gran proyecto de escritura.

La palabra esperpento no era un término muy usado en la época de Valle, pero se convirtió en un término muy estudiando en el siglo XX y XXI. Vemos que este término no había sido introducido en el diccionario de la academia hasta la edición de 1914, en ella encontramos dos acepciones: “hecho grotesco o desatinado” y  “persona o cosa notable por su fealdad, desaliño o mala raza”. Si vamos a la edición del DRAE de 1970 vemos que se ha añadido una nueva acepción al termino: “género literario creado por Ramón de Valle-Inclán en el que se deforma la realidad recargando sus rasgos grotescos”, pero también se añaden otros términos como esperpéntico. Esto quiere decir que la importancia del esperpento de Valle ha aumentado. En la edición de 2001 se recogen nuevos términos esperpentismo o esperpentizar. ‘Esperpento’ es un término que lo oímos para calificar situaciones desmesuradas y grotescas, vinculadas con el mundo político. Valle-Inclán montó su teoría teatral convirtiendo el esperpento en una de las manifestaciones más influyentes del siglo XX: corresponde a Luces de Bohemia, las tres obras de Martes de Carnaval, compuesta por Las galas del difunto, La hija del capitán y Los cuernos de don Friolera, y un pequeño esperpento llamado ¿Para cuándo son las reclamaciones diplomáticas?

ramon-del-valle-inclan-luces-de-bohemia-6728-MLA5105100015_092013-F.jpg

Los problemas empiezan cuando el término esperpento se fue generalizando para explicar la obra de Valle, pues fue contaminando la calificación de esperpéntico a aquello que tiene una dimensión grotesca. Valle diferenciaba lo grotesco y lo esperpéntico. En Luces de bohemia trata de explicar el género del esperpento a través de sus personajes. En esta obra usa la metáfora de unos espejos, uno cóncavo y otro convexo, que deforman a todo aquel que se pone ante ellos. El teatro entendido como espejo implicaría un reflejo de las costumbres y una intencionalidad de dar un modelo a las costumbres. Estas representaciones pretenden ser criticadas, así se modificarán las costumbres. Para la Valle-Inclán, la vida española solo puede ser representada mediante estas imágenes grotescas.

«Los héroes clásicos reflejados en los espejos cóncavos dan el Esperpento. El sentido trágico de la vida española sólo puede darse con una estética sistemáticamente deformada» Max Estrella

Valle-Inclán toma como referentes a Cervantes, Quevedo a Goya. Si nos detenemos en la obra de este último, vemos que es sus Caprichos y en sus Disparates aparecen varios personajes que se miran ante un espejo y ven una deformación de la realidad. Por ejemplo, un petimetre ve a un mono reflejado, una petimetre ve a una serpiente, un alguacil visto como un gato, etc. Ante estas deformaciones hay una intención satírica, tanto en el caso de Goya como en el de Valle-Inclán. El esperpento tiene una finalidad moralista. La representación grotesca de las costumbres españolas no es un divertimento, sino que forma parte de una postura personal de escritor cada vez más comprometido, que le preocupa la situación española. A través de su literatura intenta contribuir mediante la risa en influir en sus espectadores a cambiar las costumbres. Esta estética del esperpento donde la deformación es sistemática da a un tipo de arte más comprometido, el llamado arte social.

Grabados de Goya

DandyMono.(1797-98).Goya. Esperpento.0.jpg

GoyaSerpent[1].0.jpg

Las mujeres y la literatura

2907223_640px

El día 8 de marzo, celebrábamos el Día Internacional de la Mujer. La lucha por la igualdad es algo que ha de hacerse día a día, en el trabajo, en casa, en la calle, en todos los aspectos de nuestra vida cotidiana. A lo largo de la historia, la mujer, junto a otros grupos marginales, se había visto desplazada a un segundo plano, su papel era muy limitado en la sociedad. En el caso de la literatura, vemos que predominan los hombres, parece ser que, hasta bien entrado el siglo XX, la literatura era algo exclusivo de hombres blancos cristianos. Sin embargo, hay un momento en que estos grupos marginales (homosexuales, mujeres, negros etc.) comienzan a reivindicar su papel en la sociedad, de este modo, surgen movimientos como: el feminismo, los black studies o los gay studies. A pesar de esto y de la gran evolución y aceptación que han tenido estos movimientos, todavía queda mucho camino por recorrer, todavía vemos desigualdades en los puestos de trabajo, racismo, agresiones homófobas, etc. Por desgracia, no es de extrañar escuchar en las noticias la muerte de una mujer por violencia de género, el acoso hacia jóvenes transexuales, la discriminación hacia un ciudadano por su religión o procedencia… Por este motivo, es importante reivindicar la igualdad, la igualdad para todos y en todos los aspectos porque, ante todo, somos personas. Como no puedo realizar un recorrido por todas las mujeres que han tenido un papel importante para la literatura, he decidido traeros una pequeña selección de tres mujeres que, en mi opinión, son relevantes tanto para la literatura como para el pensamiento feminista.

Safo

4254585719_f7b15cbe02_z

Safo de Lesbos fue una poetisa griega cuya obra nos ha llegado incompleta, sin embargo, se incluye en la lista de los nueve poetas líricos. Se cree que Safo pertenecía a la aristocracia y era homosexual. Se piensa que fundó una escuela en la que ella instruía a sus alumnas y convivían en un ambiente relajado dedicado al arte. Ella enseñaba a sus discípulas a leer poesía, a contemplar el arte, a recitar… La idea de que Safo era homosexual surge de la lectura de su obra, donde podemos intuir que Safo había mantenido relaciones con sus alumnas. Además, era muy devota de Afrodita, diosa de la que habla en algunos de sus versos, uno de sus poemas más conocidos es la Oda a Afrodita. En realidad, conocemos muy pocos datos de esta poetisa y su obra nos ha llegado completamente fragmentada, el poema más completo es, precisamente, la Oda a Afrodita. En él, Safo le suplica a la diosa Afrodita por un amor no correspondido, no se sabe con certeza si se trata de un hombre o una mujer debido a que, como hemos dicho, la poesía de Safo nos ha llegado fragmentada. Cabe destacar que, además de los versos, hemos heredado de Safo la denominada estrofa sáfica y el endecasílabo sáfico, es decir, un verso endecasílabo cuyos acentos recaen sobre la 4º, la 8º y la 10º sílaba. Por su parte la estrofa sáfica está compuesta por 3 versos endecasílabos sáficos y un pentasílabo adónico con acento en la primera sílaba. Debido a su homosexualidad, es considerada como uno de los símbolos del amor entre mujeres.

Chassériau,_Théodore_-_Sappho_Leaping_into_the_Sea_from_the_Leucadian_Promontory_-_c._1840

Oda a Afrodita

¡Oh, tú en cien tronos Afrodita reina,
Hija de Zeus, inmortal, dolosa:
No me acongojes con pesar y sexo
Ruégote, Cipria!

Antes acude como en otros días,
Mi voz oyendo y mi encendido ruego;
Por mi dejaste la del padre Zeus
Alta morada.

El áureo carro que veloces llevan
Lindos gorriones, sacudiendo el ala,
Al negro suelo, desde el éter puro
Raudo bajaba.

Y tú ¡Oh, dichosa! en tu inmortal semblante
Te sonreías: ¿Para qué me llamas?
¿Cuál es tu anhelo? ¿Qué padeces hora?
—me preguntabas—

¿Arde de nuevo el corazón inquieto?
¿A quién pretendes enredar en suave
Lazo de amores? ¿Quién tu red evita,
Mísera Safo?

Que si te huye, tornará a tus brazos,
Y más propicio ofreceráte dones,
Y cuando esquives el ardiente beso,
Querrá besarte.

Ven, pues, ¡Oh diosa! y mis anhelos cumple,
Liberta el alma de su dura pena;
Cual protectora, en la batalla lidia
Siempre a mi lado.

 

Mary Wollstonecraft

Mary-Wollstonecraft-Gran-Bretaña-Quien-ha-erigido

Mary Wollstonecraft nació en 1759 en Londres, es una figura imprescindible del pensamiento feminista, fue filósofa y escritora. Contrajo matrimonio con el también filósofo William Godwin, uno de los precursores del anarquismo, tuvieron una hija, Mary Shelley, autora de Frankenstein. Sus ideas filosóficas y su reivindicación de la mujer la convierten en una de las madres del feminismo y sirvió de inspiración a generaciones posteriores. Entre sus obras destacan: Vindicación de los derechos de la mujer Vindicación de los derechos del hombre. Una de las cosas que criticó Wollstonecraft fue la publicación de la Declaración Universal de los derechos del hombre y del ciudadano porque, para ella, este texto no pensaba en la mujer y, por tanto, debía completarse. Para Wollstonecraft, hombres y mujeres eran iguales y ambos eran seres racionales, por tanto, debía reivindicarse la desigualdad existente en la sociedad de su tiempo. El principal problema residía en la educación, hombres y mujeres no eran educados de la misma forma y esto hacía que las mujeres parecieran más débiles ante los hombres. La educación era algo que preocupaba mucho a Wollstonecraft, por ello, no es de extrañar que una de sus primeras obras lleve por título Reflexiones sobre la educación de las hijas. Sin embargo, esta autora no pedía el derecho a voto de las mujeres y tampoco podemos llamarla feminista porque este es un término que apareció posteriormente. Lo que sí es cierto es que fue una de las primeras mujeres en reivindicar los derechos de las mismas, aunque no del modo en que lo concebimos actualmente, pero debemos tener en cuenta que Wollstonecraft era una mujer del siglo XVIII y, como consecuencia, su educación había sido muy distinta a la nuestra. A pesar de ello, demostró que podía independizarse y ganarse la vida como escritora en un periodo donde esto no era algo habitual.

Virginia Woolf

Virginia Woolf

Virginia Woolf nació en Londres en 1882, es una de las escritoras más influyentes del siglo XX. Su obra es de las más estudiadas y reconocidas en todo el mundo, además, ha sido vista como una de las principales representantes del movimiento feminista. Destaca su obra Una habitación propia, donde realiza una profunda reflexión acerca de las mujeres y la literatura.  Aquí, nos habla de la mujer, su educación, su presencia en la escritura, el papel en los hogares, el matrimonio, la profesionalidad, etc. Cuenta los problemas y conflictos a los que se enfrenta una mujer desde que nace. Desarrolla la androginia, el estado perfecto entre mujer y hombre, no hay que verse como enemigos, sino como complementarios.  Por supuesto, plantea el problema que tiene una mujer para escribir una buena novela, irá argumentando sus ideas hasta llegar a la conclusión de que lo que necesita una mujer es una habitación propia, la mujer tiene que ser independiente profesional y económicamente. Otra obra interesante de esta autora es Orlando, en ella, nos presenta a un hombre de éxito  que aspira a convertirse en senador, sin embargo, sufre una metamorfosis, se convierte en mujer. A partir de este momento, deberá enfrentarse a los problemas de las mujeres y verá cómo su sueño de ser senador se va frustrando por su condición de mujer. Es interesante ver cómo esta reflexión la realiza desde un personaje masculino, que nace con todos los derechos de los hombres y que, al convertirse en mujer, verá cómo su vida cambia completamente. Un dato interesante de esta obra es que, en inglés, los pronombres posesivos diferencian el género, algo que no ocurre en español y que, como consecuencia, conlleva un problema de traducción. Esta obra, además, fue traducida por el escritor argentino Jorge Luis Borges.

“Cuanto podía ofreceros era una opinión sobre un punto sin demasiada importancia: que una mujer debe tener dinero y una habitación propia para poder escribir novelas; (…) las mujeres y las novelas siguen siendo, en lo que a mí respecta, problemas sin resolver”.

Espero que os haya gustado la entrada y que sigamos luchando día a día para lograr esa igualdad que, como personas, todos merecemos. Os dejo unos enlaces a dos entradas anteriores que tienen relación con algunos de los temas que hemos estado comentando:

https://palabrasenmascaradas.wordpress.com/2015/10/29/frankenstein-o-el-moderno-prometeo/

https://palabrasenmascaradas.wordpress.com/2015/11/25/el-amor-no-duele/

El niño que no quería crecer

320px-PeterPan_Statue_Londres.jpg

James Matthew Barrie es un novelista y dramaturgo británico conocido por su obra teatral Peter Pan and Wendy, estrenada en 1904 en Londres. La infancia de Barrie fue dura, cuando tenía 6 años murió su hermano David. Este hecho conmocionó a la familia, su madre nunca asumió la muerte de David. Conforme pasaban los años y James crecían, su estatura apenas variaba, siendo adulto media poco más de metro y medio. La obra que hoy estamos tratando tuvo tanto éxito que dio nombre a su síndrome heterónimo que ya se comentó en nuestro blog:

https://palabrasenmascaradas.wordpress.com/2015/11/03/sindromes-literarios/

En Peter Pan y Wendy se cuenta la historia del niño que no crece, Peter Pan, y las aventuras que vive en el País de Nunca Jamás, junto con Wendy, John, Michael, el hada Campanilla, los Niños Perdidos, y el malvado Capitán Garfio.

En la obra se contraponen dos mundos, el primero protagonizado por la familia Darling, compuesta por una niña, Wendy, que ha asumido el papel de ‘madre’ cuidando a sus hermanos pequeños John y Michael. Los padres se llaman George y Mary Darling, también tienen una perra llamada Nana. Representan la típica familia victoriana de la época. El otro mundo es el protagonizado por Peter Pan y Campanilla, un mundo de fantasía ambientado en el País de Nunca Jamás. Es un lugar envuelto por la magia.

A su vez, se contraponen dos actitudes. La primera es la de Wendy, una actitud responsabltumblr_nmfaxrWkmc1tvs289o1_1280.pnge y maternal. Cuando Peter le dice que la acompañe a Nunca Jamás para contarles cuentos a los Niños Perdidos, Wendy no olvida en ningún momento la responsabilidad de cuidar a sus hermanos, no accede si no van sus hermanos con ella. Es la única que acaba asumiendo su papel de adulta, asume su madurez y vuelve a Londres. Por otro lado, tenemos la a Peter Pan, el niño maravilloso, el que no quiere crecer, el que no asume el paso del tiempo.  Estos dos personajes nos muestran el tema principal de la película, el tema el paso del tiempo y la madurez que eso conlleva.

Esta famosa historia ha dejado muchas huellas en la actualidad gracias a su éxito. Muchos empresarios, entre ellos Steve Jobs, tomaron el lema “si puedes pensarlo, puedes hacerlo”. El nombre Wendy, hasta el momento minoritario y considerado extraño, se volvió muy popular en Londres.

Peter Pan por Walt Disney

vinilo-infantil-frase-peter-pan-amanecer-7822.png

La famosa compañía Walt Disney llevó a la gran pantalla la historia de Barrie en 1953. La producción de esta película animada está llena de curiosidades. La escena de las sirenas y la del rinoceronte supusieron un aporta para las películas de La sirenita y El Rey León. El capitán garfio fue inspirado en Henry Brandon y se le puso el garfio en la mano izquierda, al contrario que en la obra de Barrie, para no limitar la acción.

Es interesante la relación que guarda con la película Alicia en el País de las Maravillas, de la misma compañía. La melodía de la canción que suena en Peter Pan titulada ‘The Second Star to the Right’ fue escrita originalmente para la película de Alicia en el País de las Maravillas. Wnedy y Alicia poseen rasgos faciales y físicos idénticos, de hechom, en el doblaje estadounidense e hispano fueron las mismas actrices las que dieron voz a las niñas, Kathryn Beaumont y Teresita Escobar.

Descubriendo nunca jamás

Finding Neverland.jpg

Es una película de 2004 dirigida por Marc Forster. Cuenta la experiencia de J. M. Barrie escribiendo su obra teatral Peter Pan. El papel de Barrie es interpretado por un actor que le va como anillo al dedo, Johnny Deep.

En el parque Barrie conoce a la familia de Sylvia Llewelyn Davies, la cual tiene cuatro hijos llamados Peter, Jack, George y Michael. Pasa el verano con esta familia creando grandes amistades con los pequeños, a excepción de Peter. El final trágico y simbólico aleja a la película del público infantil.

“El tiempo nos acaba dando caza a todos”

A propósito de San Valentín

Esta semana celebramos el día de San Valentín, concretamente el día 14 de febrero. En nuestra cultura se ha popularizado la idea de que esta festividad es algo nuevo, algo inventado por los centros comerciales. Pero, ¿cuál es el verdadero origen de esta festividad? Se remonta a los tiempos del Imperio Romano, donde había un sacerdote llamado San Valentín que celebraba matrimonios para jóvenes de forma secreta desafiando al emperador Claudio II, el cual lo había prohibido para que los jóvenes fuesen soldados y no tuviesen ataduras. Al enterarse el emperador lo encarceló, martirizó y, finalmente, ejecutó el 14 de febrero de 270. Según la leyenda, mientras estaba en la cárcel devolvió la vista a una joven llamada Julia, por lo que ella, agradecida, planto un almendro en su tumba, siendo este símbolo de amor y amistad duraderos.

Si bien, del mismo modo que en la entrada que hicimos a propósito de la Violencia de Genero, hoy vamos a ver los tratamientos del amor en la literatura. Os dejo el enlace de la entrada mencionada por si os apetece recordarla:

https://palabrasenmascaradas.wordpress.com/2015/11/25/el-amor-no-duele/

En ella hablamos de la concepción del amor a través de tres autores importantísimos y conocidos universalmente: Petrarca, Garcilaso y Shakespeare. Hoy quiero ver el trato del amor en nuestra contemporaneidad. Petrarca, en sus poemas amatorios, describe a Laura sin recurrir a todo su cuerpo, desabriéndola a través de sus ojos, su pelo, el color de su piel, etc. Da una descripción casi fantasmagórica de ella, no recurre a todo su cuerpo, elimina u omite sus órganos sexuales. Esta forma de describir el amor ha cambiado mucho hoy en día. A los poetas no les da miedo nombrar cada parte del cuerpo de la persona de la que están enamorados.

gimferrerVamos a tomar como ejemplo de esto al poeta español Pere Gimferrer. Fue elegido miembro de la Real Academia Española en 1985 y nombrado Premio Nacional de las Letras Españolas en 1998. Hay una peculiaridad en su poesía amatoria, la lengua que usa en su poesía es la que usa con su pareja. Es decir, ha escrito en español y en catalán, variando su lengua poética en función del idioma que hablaba con su pareja en el momento en el que escribía. La lengua de su poesía es la lengua del amor. En sus poemas hace referencias a los órganos sexuales y a partes del cuerpo que Petrarca no mencionaba, vemos en su poesía una liberación del amor.

luis-antonio-de-villena-1.jpgOtra novedad en el tratamiento del amor de nuestros escritores contemporáneos es la aparición de la homosexualidad, en el caso de España es más visible al finalizar la Dictadura Franquista, ya que hasta entonces hubo mucha represión y fue un tema tabú. En este ámbito podemos destacar a Luis Antonio de Villena, un escritor clasificado en el grupo de los novísimos. Es uno de los autores más reconocidos en la literatura homosexual española, pues aborda este tema tanto en su narrativa como en su poesía.

 

El amor es deseo de hermosura

¿Merecerá la pena tanta búsqueda inútil?

Rebuscar claridades entre piernas y pelo

cual quien codicia gema entre ríos de fango.

Sentir desastre tanto mientras la boca besa,

adorar y reptar sinuoso por cinturas que arden,

helarse en fuego rubio, flamear en desierto tartáreo,

probar que es eso, pero poner la mano en gélido basalto,

y linguar maravilla mientras se hunden las naves…

¡Han sido tantos los cuerpos, el esplendor, la procela,

el volcán, la esmeralda, tanta consumición para buscar

la luz, que, estragado, el corazón no tiene frontera, subir aún más,

gastar la vida en ese ígneo ideal, donde dos ojos negros

entrelazan un alma. Y estarse allí, hasta que no haya nada.

Pugnando siempre por asir lo imposible. Querubínico afán

que te asola y exalta, dejando apenas un rocío en los labios…

¿Mereció el vivir? Así que cuando morimos, descansamos.

 

Por último, me gustaría hablaros de dos movimientos urbanos relacionados con la poesía, y que nos han dejado numerosas frases sobre el amor. El primero de estos es Acción poética, está dando la vuelta al mundo, se conoce por muchísimos países de habla hispana. Se inició en 1996 por el poeta mexicano Armando Alanis Pulido. A través de este movimiento se han popularizado pensamientos de amor y frases optimistas, citas de poetas, escritores, músicos…

Trabajos de acción poética

images

images (1)

enhanced-buzz-14131-1423777294-4

El segundo tuvo lugar en Madrid en 2014 y hoy en día ha sido denominado Madrid, te comería a versos. Fue llevado a cabo por Boa Mistura, equipo multidisciplinar nacido en 2001. Es otro ejemplo de la presencia de la poesía, y concretamente del amor en la actualidad. Este tipo de movimientos urbanos me parecen muy importantes en la actualidad, pues entre los jóvenes se está perdiendo el interés por la poesía y de este modo tan curioso se está volviendo a fomentar. No solo tienen interés porque presentar versos sobre el amor, tema que hoy nos interesa especialmente, sino que presentan una nueva forma de poesía, una nueva forma de cultura callejera muy interesante. Os dejo un video sobre este curioso suceso en Madrid.

 

¡Feliz San Valentín a todos!

Homenaje a Alan Rickman

 

Como bien sabréis, en este mes de enero nos dejaron, a causa del cáncer, David Bowie y Alan Rickman. Al primero de estos ya le rendimos tributo, si todavía no lo habéis leído aquí tenéis el enlace:

https://palabrasenmascaradas.wordpress.com/2016/01/30/homenaje-a-david-bowie/

Alan Rickman

descarga

Fue un camaleónico actor británico, que no solo interpretó brillantes papeles como personaje antagónico, sino que también destacó en roles cómicos como en Héroes fuera de órbita. La clave de Rickman era el perfeccionismo, no le gustaba ver sus propias películas porque era muy autocrítico. Como director cinematográfico nos dejó A Little Chaos y The Winter Guest.

Entró en la Real Academia de Actores gracias a la interpretación de un pasaje de Ricardo III de William Shakespeare. A partir de entonces inició una brillante carrera como actor, con trabajos como la película Rasputín, gracias a la que recibió el Globo de Oro a mejor actor. Entre sus películas están Robin Hood, príncipe de los ladrones, Love Actually, Something the Lord Made, El perfume y todas las entregas de la saga de Harry Potter, basada en las novelas de J. K. Rowling. También participó en la película de Tim Burton Sweeney Todd, de la que ya hemos hablado en nuestro blog, os dejamos el enlace por si os interesa:

https://palabrasenmascaradas.wordpress.com/2015/10/26/el-barbero-diabolico-de-la-calle-fleet/

Ha muerto sin llegar a ver el resultado de su último trabajo, la voz de la oruga que aparece en Alicia a través del espejo, que se estrenará este año.

Homenaje en The Simpsons

Su papel en Harry Potter, Severus Snape.

La escritora de Harry Potter, J.K Rowling, quiso desde el primer momento que Alan Rickman interpretase el papel de Severus Snape, siendo así, el único actor que conocía el verdadero destino de su personaje desde el primer momento.

alan-r-severus-hp.jpg

Snape es un personaje realmente odiado y temido por los alumnos de Hogwarts, por lo menos en los seis primeros libros, sin embargo, todo esto cambia al conocer su pasado. A lo largo de la saga van apareciendo recuerdos de Severus, gracias a los que sabemos que se había criado en un hogar violento. Era hijo de Eileen Prince, una sangre pura, y un muggle llamado Tobías Snape. Durante su estancia en Hogwarts usa el apodo de El Príncipe Mestizo, una mezcla del apellido de su madre y su sangre mestiza lo convierten en el único Half-Blood Prince. Esto se descubre cuando Harry usa un libro de pociones firmado por Severus con este curioso apodo.

Durante su infancia conoció a Lily, de la que fue gran amigo y por la que acabó enamorado. Esta relación se fue enfriando con la entrada a Hogwarts, pues cada uno pertenecía a una casa diferente y no aceptaban los amigos del otro. El punto de inflexión en esta relación se da cuando llama a Lily ‘sangre sucia’, por lo que se rompió definitivamente la amistad. El amor que sentía por Lily y su carácter solitario hicieron que no fuese muy popular y querido en la famosa escuela de magia y hechicería.

El hecho de que un personaje se vea influenciado por su pasado y que vaya evolucionado es algo que hoy en día no nos sorprende, sin embargo, en los principios de la literatura solo existían personajes maniqueos, planos, que no evolucionaban y que eran prototípicos (el héroe caballeresco, la dama en apuros, el villano, etc). Todo se dividía en buenos y malos. Rickman encarna a un personaje que no es lo que aparenta, su amor por Lily puede más que su aparente maldad, es realmente leal y bueno. No hay que olvidar que uno de los actos que más terribles parecen, el lanzamiento del hechizo ‘Avada Kedavra’ a Dumbeldore, no es más que una muestra de lealtad, pues Dumbeldore se lo había pedido porque tenía una enfermedad.

La propia J. K. Rowling puso el siguiente tuit sobre este personaje: “Snape died for Harry out of love for Lily. Harry paid him tribute in forgiveness and gratitude”. Gracias a Alan Rickman, todos los lectores de la saga Harry Potter han acabado queriendo a Severus Snape, un personaje redondo que evoluciona a lo largo de la historia, demostrándonos que no podemos quedarnos con las apariencias, pues, para mí, es el personaje con  mayor corazón de toda la saga. La brillante interpretación de Rickman hace que lo odiemos durante las primeras películas, pero que se nos encoja el corazón cuando se conoce su verdadera historia. Una historia, un pasado, que justifica cada uno de sus gestos.

Alan Rickman ha sido el actor perfecto para un personaje sobrecogedor, para un personaje que nos acaba sorprendiendo a todos.

large

Homenaje a David Bowie

Enero está llegando a su fin y, con él, se han ido algunos rostros bastante conocidos en el mundo de la música y el cine. Por ello, para cerrar este mes de enero, he decidido dedicarle una breve entrada homenaje al camaleónico David Bowie. Aunque parezca un poco raro hablar de Bowie en un blog de literatura, debemos tener en cuenta que tanto música como literatura entran dentro de ese universo que conocemos como artístico, además, muchos músicos se inspiran en obras literarias y muchos literatos reciben influencia del mundo de la música. Si echamos la vista atrás y analizamos los principales movimientos artísticos que se han dado a lo largo de la historia, comprobaremos que, la mayoría de ellos, se han dado de forma simultánea en pintura, escultura, literatura, música, filosofía, etc. Por ejemplo, las vanguardias no son algo exclusivo del arte, sino que también tenemos movimientos vanguardistas en música y literatura. Las artes, por lo general, responden a un pensamiento determinado, por ello, van cambiando a lo largo del tiempo, se influyen unas a otras y reflejan el pensamiento de una época.

David-Bowie

Sabemos que Bowie fue un ávido lector a lo largo de su vida, se interesó por la literatura e incluso presentó una lista con 100 recomendaciones literarias. Pero no solo la literatura influyó en la música de David Bowie, sino que el cine y el auge de la ciencia ficción de finales de los 60 interesaron mucho al músico. Por ello, no es de extrañar que se inspirara en la película de Stanley Kubrick, 2001: Una odisea en el espacio, para componer la inolvidable Space oddity. A Bowie le gustaba mucho crear personajes y narrar historias en sus álbumes, de hecho, Space oddity es un claro ejemplo de la gran capacidad narrativa del británico. Aprovechando la referencia que acabo de hacer a Kubrick voy a hablar de una de las obras predilectas para Bowie y que, además, se incluye en la mencionada lista de libros que realizó, esta obra no es otra que La naranja mecánica del también británico Anthony Burgess. Obra contemporánea reconocida a nivel mundial, especialmente, gracias a la adaptación cinematográfica realizada por Kubrick; esta obra nos presenta una distopía muy interesante en la que un joven y sus ‘drugos’ viven al margen de la sociedad y se dedican a sembrar el mal allá por donde van. Son jóvenes y son violentos, carecen de aspiraciones en la vida, finalmente, el protagonista, Alex, es encarcelado y posteriormente sometido a un tratamiento que cura la violencia. Este tratamiento está financiado por el Estado que, obviamente, pretende con él mantener a raya a todo individuo que se considere enemigo público. La obra nos plantea cuestiones como el libre albedrío, el poder de la autoridad, la violencia del hombre etc. Es una obra que ha sido leída por numerosos jóvenes, que estuvo muy de moda durante la juventud de Bowie y que alcanzó gran popularidad gracias a la película homónima. Por tanto, no es de extrañar que esta sea una de sus grandes influencias, vemos ejemplos de esta influencia en algunas de sus composiciones. Por ejemplo, los looks elegidos para representar a su personaje Ziggy Stardust están inspirados en el vestuario de la película de Kubrick. La influencia de esta obra es tan grande que, incluso en su último trabajo, Blackstar, vemos huellas de la misma, por ejemplo, en la canción Girl loves me, utiliza el Nadsat, jerga utilizada por los jóvenes en la novela de Burgess que se caracteriza por el uso de léxico perteneciente a lenguas eslavas, en especial, el ruso.

Aquí os dejo una imagen en la que podemos apreciar la influencia del look futurista de la película en la estética adoptada por el artista.

PicMonkey Collage

Aquí, podéis escuchar la mencionada canción y apreciar el vocabulario Nadsat que utiliza, como vemos, la obra de Burgess fue una de sus grandes influencias hasta el final de su vida.

Bowie se ha caracterizado por ser un artista muy polifacético, que siempre ha estado reinventándose, fue un adelantado a su tiempo y la gran inspiración de muchos de los artistas que tenemos hoy en día. Ha sido un destacado productor e, incluso, se atrevió con la interpretación. No quiero extenderme demasiado con esta entrada porque creo que, nos guste más o nos guste menos, la importancia de David Bowie para la música es innegable y, por tanto, no creo que pueda decir nada nuevo. Así que, simplemente, voy a comentar alguna influencia literaria recibida que considero importante y algunos ejemplos del legado que él ha dejado a la literatura. En primer lugar, me gustaría destacar la novela The man who sold the Moon del norteamericano Robert Anson Heinlein, obra importante para la literatura de ciencia ficción y que, como el nombre insinúa, inspiró la canción The man who sold the World. No cabe duda de que la ciencia ficción fue una de las grandes inspiraciones de Bowie y, al mismo tiempo, él dejó una importante huella en la misma.

Destacamos la influencia ejercida por Bowie sobre Neil Gaiman, autor británico de obras de fantasía, que posee un relato titulado The return of the Thin White Duke (El retorno del Delgado Duque Blanco), podéis leerlo en inglés en el siguiente enlace: http://www.neilgaiman.com/Cool_Stuff/Short_Stories/The_Return_of_the_Thin_White_Duke. La ganadora del Premio Pulitzer, Tracy K. Smith, dice verse enormemente influenciada por el artista británico, no es de extrañar que posea una colección de poesía titulada Vida en Marte, en clara alusión a la canción de Bowie Life on Mars? Os dejo aquí uno de los poemas de esta escritora en el que nombra directamente al músico.

De noche, las estrellas brillan como el hielo y la distancia
que abarcan oculta algo elemental. No es Dios exactamente.
Es más un Bowie esbelto y brillante, un Starman o un as cósmico
que flota, balanceándose, y se esfuerza en hacernos ver.
¿Y qué haríamos, tú y yo, si supiéramos con certeza

que hay alguien que escudriña a través del polvo
diciéndonos que nada desaparece, que todo pervive a la espera
sólo de ser lo bastante deseado para volver? ¿Regresarías entonces,
aunque fuera por unas pocas noches, a esa otra vida en la que tú
y ella, la primera, os amabais, ciegos por una vez al futuro y felices?

¿Me pondría otra vez el abrigo y volvería a la cocina en la que esperan
sentados mi padre y mi madre, con la cena calentándose en el horno?
Bowie nunca morirá. Nada vendrá a por él mientras duerme
ni surcará sus venas. Y jamás envejecerá,
como la mujer que perdiste, que siempre será morena

y sonrosada, corriendo hacia una pantalla electrónica
que marca los minutos, los kilómetros que quedan. Como la vida
en la que siempre soy una niña que mira por la ventana el cielo nocturno,
convencida de que un día tocará el mundo con las manos
aunque queme.

No deja rastro. Se desliza veloz como un gato. Así es Bowie:
el Papa del Pop, callado como Cristo. Como una obra
dentro de otra obra, tiene doble copyright. Las horas

gotean como el agua de un aire acondicionado. Aguantamos,
aprendemos a esperar. En silencio, con desgana, llega el colapso.
Pero no para Bowie. Ladea la cabeza, dibuja esa sonrisa malvada.

El tiempo no se detiene, pero ¿acaba? ¿Y cuántas vidas
antes del despegue, antes de encontrarnos más allá
de nosotros mismos, todo glam y destellos dorados?

El futuro ya no es lo que era. Hasta a Bowie le apetece
beber algo bueno y frío. Los jets cruzan el cielo
como almas migratorias.

Hasta aquí llega mi pequeño homenaje a David Bowie, espero que os haya gustado, me despido con una canción del artista y con una frase que escribió Billie Joe Armstrong, vocalista de Green Day, en una dedicatoria al conocer la noticia del fallecimiento de Bowie:

“I’m humbled to have lived on the same planet, at the same time as David Bowie. He is a hero… Is there life on Mars?”

El periodismo de Mariano José de Larra

Mariano José de Larra fue un eminente articulista del siglo XIX, con una gran claridad y vigor en su prosa. Tiene como precedentes a Quevedo, Feijoo, José Cadalso y Jovellanos. Aunque no compartió los postulados literarios del Romanticismo, su agitada vida y su muerte lo acercan a los ideales y modelos románticos. Es considerado un romántico rebelde y revolucionario que denunció, gracias a sus artículos periodísticos, los problemas sociales y políticos que tenía España en esa época. Su figura sería reivindicada, años más tarde, por los integrantes de la Generación del 98.

El periodismo comenzó a cobrar importancia en el siglo XVII, se utilizó como medio para difundir las ideas ilustradas. En ese momento se asienta el periodismo, gracias a personajes tan ilustres como Nipho, y pasó a ser un elemento de la vida diaria de los españoles. El periodismo del siglo XIX guarda estrecha relación con el movimiento literario del costumbrismo. Concretamente en la disciplina que estamos tratando surgieron los cuadros costumbristas, que alcanzó su apogeo con articulistas como Larra, Mesonero Romanos y Estébanez Calderón.

Larra, al igual que otros articulistas del momento, firmaba con un seudónimo en sus artículos, esta tendencia a las “máscaras” surge como un modo de ocultar la verdadera identidad. Sin embargo, el autor aparece constantemente en sus artículos, del mismo modo que algunos asuntos autobiográficos los utiliza en otras obras. Con el uso del seudónimo Larra entronca con la tradición periodística del siglo XVIII, y lo realmente interesante es el juego que establece en sus escritos con distintos nombres “apócrifos”, desdoblándose y oponiendo diversas perspectivas. El seudónimo más interesante es el de Fígaro de origen francés, relacionado con el personaje del Bonmarchais. Tiene cinco volúmenes escritos entre 1835 y 1837 recogidos en  Fígaro. Colección de artículos dramáticos, literarios, políticos y de costumbres.

En cuanto a su estilo, tiene una concepción dinámica de la lengua que le lleva a acuñar palabras con frecuencia, busca renovar el instrumento lingüístico, y defiende la invención léxica siempre que el escritor lo considere necesario, así la lengua avanza y progresa. Utilizaba un léxico político intelectual y moral del periodo romántico,  usa términos como ‘patria’, ‘Estado’, ‘gobierno’, ‘administración’, ‘sistema’, ‘régimen’, etc. Vemos muchos términos en sus artículos que en ese momento no eran recogidos por la  RAE. Por tanto, desde el punto de vista político, Larra hace una gran aportación al vocabulario político romántico. En el artículo “Las palabras” hay toda una enumeración en cursiva, esto es porque son palabras nuevas o utilizadas con otros significados.

Comentario del artículo “La policía”

He decidido comentar “La policía” un artículo de Larra que, en mi opinión, trata temas muy actuales y que siguen vigentes en la actualidad. Podéis disponer de él en versión PDF en Internet o en la Biblioteca más cercana. Podemos ver en este texto dos partes diferenciadas, una dirigida hacia la censura, y otra dirigida hacia la policía. Para criticar estos dos elementos utiliza la ironía, es decir recurre a decir bondades y ventajas de estos elementos, mientras que quiere decir justo lo contrario. La censura, a pesar de haber disminuido con la muerte de Fernando VII y que permitió más libertad de expresión a los escritores románticos, seguía presente en la época. Cuando habla de la policía parece un elogio, sin embargo, sigue utilizando la ironía. Por ejemplo, para él la policía es herencia ‘legítima’ de los diez años de absolutismo, es decir, la policía es la misma que la que existía en la época de Fernando VII, esa policía que había asesinado y masacrado. Acaba diciendo que los ciudadanos aun tendrán que dar las gracias y pagar a la policía por espiarles, perseguirles, cohibirles, etc.

Viñeta actual sobre la policía.

policias_EDICRT20140205_0001_3

Como vemos, Larra denunciaba los problemas de la España del momento, que lamentablemente parece que vuelven, así lo vemos en la viñeta de arriba. Este artículo lo interpreto como una denuncia a la falta de libertad de expresión, primero por parte de la censura que oprimía a los intelectuales, y segundo por parte de la policía, que se encargaba de castigar y perseguir aquello que el Estado consideraba incorrecto. ¿Qué opináis vosotros? ¿Crees que los males que denunciaba Larra siguen vigentes en la actualidad?

Larra cumplió con una misión social y política muy importante, como periodista quiso dejar constancia de aquello que ocurría en el momento, él era consciente de que aquello que escribiese perduraría hasta nuestros días. Quizá su intención era alertar a la ciudadanía de los problemas del pasado para que no volviésemos a repetirlos. Larra fue un revolucionario que contribuyó en la política introduciendo nueva terminología, denunció aquello que la ciudadanía no tenía forma de expresar, en definitiva, hizo un gran trabajo como periodista, como voz de un pueblo mudo. Él vio en el periodismo una forma de ayudar al país y a la ciudadanía, quizá esto se haya perdido con la mass media. ¿Qué creéis vosotros? ¿Qué papel tienen los medios de comunicación en la actualidad? ¿Nos ayudan o nos perjudican? ¿Hay censura o libertad de expresión?

La visión de Luis Quiles a través de sus ilustraciones:

LUIS_QUILES_ilustraciones_arte_y_artistas_net_7-552x210

ilustraciones-luis-quiles_002

Si queréis saber más sobre los medios de comunicación actuales podéis visitar:

https://palabrasenmascaradas.wordpress.com/2015/11/29/manuel-vazquez-montalban-y-su-manifiesto-subnormal/

La moneda en el suelo

manuelgil

Ildefonso-Manuel Gil es un hombre importante y muy valorado de la literatura aragonesa: en 1992 recibió el Premio Aragón de las letras, en 1982 le concedieron la Medalla de Oro de Zaragoza, en 1996 se le nombró Aragonés de Honor y en 2000 recibió la Medalla de Honor de la Institución «Fernando el Católico». Pero no sólo fue reconocido en Aragón, también en el extranjero, por ejemplo, en 1993 se le entregó la Medalla de Santa Isabel de Portugal de la D.P.Z. De Ildefonso-Manuel Gil destaca su poesía calificada como pura y comprometida. Sus primeros libros de poemas son Borradores (1931) y La voz cálida (1934). Continuó su obra con Poemas del dolor antiguo (1945), Homenaje a Goya (1946), El tiempo recobrado (1950), El incurable (1957), Los Poemas del tiempo y del poema (1973) y Por no decir adiós (1999). El interés por su poesía se recoge en numerosas antologías y estudios como los realizados por Rosario Hiriart o Manuel Hernández Martínez, entre otros. Algo menos estudiada ha sido su narrativa. De 1945 es la redacción de su novela La moneda en el suelo (1951) que recibió el Premio Internacional de Primera Novela en el año 1950.

La moneda en el suelo se enmarca en la época de la posguerra española, momento en el que aparecen las llamadas novelas sociales. Combinan el tremendismo, el existencialismo y el realismo. Se caracterizan por la denuncia social reflejada en el gran personaje que es la sociedad. Se hace un testimonio indirecto y metafórico de la desesperanza existencialista que nos muestra Carlos, y que también posee brochazos de lo que posteriormente se llamará tremendismo.

La figura de Carlos Serón va evolucionando a lo largo de la obra y los sucesos que se van dando influyen en su personalidad, por lo que se pude decir que es un personaje complejo. En las primeras páginas de su diario nos cuenta su juventud, decidiendo saltarse su infancia por carecer de importancia. Habiendo decidido saltarse su infancia, Carlos nos narra los primeros momentos de su juventud y de su noviazgo con Julia. En esta etapa de su vida Carlos es un hombre soñador y con grandes metas en la vida. Gracias a la ayuda de su amigo Luis Arias obtiene una beca con la que se va a Argentina durante un año. Durante este viaje Carlos y Julia se escribían cartas a diario, los días pasaban y transcurrían con normalidad. Pero un día Carlos tiene un accidente automovilístico. El accidente es el punto de inflexión de la novela, el momento más trascendente e influyente en Carlos, y por tanto, también influye en su psicología y en la forma de narrar el resto de su vida. Tras el accidente Carlos se despierta en un hospital sin recordar que ha pasado y sin entender que hace allí. Carlos estará varios días en el hospital con las manos vendadas, y aunque se lo espera, no sabe a ciencia cierta que no podrá volver a tocar nunca más el violín. Los días en el hospital se hacen más amenos gracias a Magdalena, la enfermera que le cuida y le lee libros para que no se aburra. Los días juntos hacen que Carlos se olvide del problema de sus manos vendadas e incluso de su novia Julia, aunque más tarde se entera de que Julia se va a casar con otro hombre en España. Finalmente, los médicos deciden quitarle las vendas de sus manos y contarle a Carlos lo que le había sucedido y lo que esto iba a cambiar su día a día. De un instante a otro Carlos se había quedado sin las dos cosas en torno a las cuales giraba su vida, por un lado, Julia le había abandonado sin dar explicaciones, y por el otro, había acabado su carrera como violinista.

Los días que pasa con Magdalena sus dulces y maravillosos, ella le ayuda a rehacer su vida. Gracias a ella Carlos ve la luz al final del túnel. Acaban cansándose y Carlos consigue un trabajo como crítico musical. Este proceso no ha sido nada fácil, en un principio no quería volver a escuchar música porque le producía tristeza, pero gracias a Magdalena consigue superarlo. Le gusta esa vida monótona en la que Magdalena le ha sumergido, sin embargo, el trabajo como crítico musical no le satisface por completo, obviamente hay una frustración por criticar lo que a él le gustaría haber hecho, tocar el violín. Este trabajo lo realiza son ganas, sin relacionarse con su compañero, y con un comportamiento algo reacio. Esta faceta de Carlos es diferente a la que tiene cuando esta con Magdalena, con la que es más sociable y amable. Un día Magdalena sufre un parto prematuro y en cuanto Carlos se entera acude rápidamente a casa. Al verla en la cama pálida ya  punto de morir Carlos se da cuenta de lo que esta pérdida supone para él.

Y hasta aquí puedo leer, pues no quiero destriparos el final, pues es una novela muy interesante que recomiendo que os leáis. Sin ánimo de hacer un spoiler, me gustaría hacer un giño sobre el final, a ver si os termino de convencer de su lectura. Para mí, hace honor al título adjudicado por Gil. En el último momento Carlos debe tomar una decisión importante en su vida, esta decisión puede cambiar su futuro de forma radical, al igual que cambia tu suerte cuando tiras una moneda al aire, y en el momento que toca el suelo sabes si has ganado o has perdido la partida.

descarga

Podemos ver en estas vivencias de Carlos Serón una serie de vaivenes que acaban llevándole a la autodestrucción, cada vez que intenta tomar buenas decisiones y alejarse de la mala suerte que le persigue acaba obteniendo el resultado contrario. Comienza siendo un joven violinista prometedor y con gran futuro, y acaba siendo un hombre frustrado y fracasado que no ha conseguido alcanzar ninguna de sus metas. Como vemos, la historia de Carlos Serón guarda muchas similitudes con la historia, ya comentada, sobre Gatsby:

https://palabrasenmascaradas.wordpress.com/2015/12/25/el-gran-gatsby/

Tanto Ildefonso-Manuel Gil como Fitzgerald vivieron una época difícil de posguerra que se vio reflejada en su literatura, ya sea la Guerra Mundial o la Guerra Civil española.Los dos protagonistas de dichas novelas, Carlos Serón y Gatsby, tienen un gran sueño, grandes metas para su vida. Ambos ven sus sueños truncados en cierto momento de la novela, el caso de Carlos Serón es mucho más traumático, la deformación de sus manos rompe en mil pedazos su sueño. No solo pasa por una frustración de su sueño de ser violinista sino que tampoco acaba teniendo un buen trabajo. El caso de Gatby es igual de frustrante, su vida como magnate acaba resultando una farsa descubierta por todos y carga con las culpas de un accidente de coche del que no era culpable. Del mismo modo, ambos personajes pasan por una relación toxica que no lleva a ningún lado, Julia y Daisy son detonantes para que sus vidas vayan a peor.

La Representación de los Reyes Magos

Como ya os adelantamos en nuestra entrada anterior, https://palabrasenmascaradas.wordpress.com/2016/01/02/el-villancico/, y con motivo de la festividad del día 6 de enero, hemos pensado que sería interesante hablar de una de las representaciones teatrales más antiguas que conocemos en el mundo hispánico. Para comenzar, me gustaría realizar una breve introducción al teatro medieval y, a continuación, explicaré los símbolos de la obra en cuestión.

AutoReyesMagos

En la Edad Media, existían diversas formas de teatralidad como el gesto, el baile o la danza. Eran funciones sencillas que se representaban en lugares como la iglesia, las plazas o los espacios cortesanos, no existían lugares específicos para las representaciones teatrales. El texto era escaso y carecía de normas, por ello, para algunos críticos, no se trataba de teatro propiamente dicho. Sin embargo, podemos hablar de representaciones primitivas, más o menos elaboradas, que existieron en época medieval. Hasta el siglo XV, solo contamos con el testimonio de la Representación de los Reyes Magos, aunque tenemos datos y noticias acerca de ciertas formas de espectáculos teatrales. Por influencia de la iglesia, el teatro clásico que existía anteriormente se encontraba en decadencia. Los más cultos recordaban a Plauto y Terencio en círculos restringidos, fundamentalmente universitarios, a diferencia del resto del pueblo que se quedaría al margen. La pérdida de la tradición clásica fue tan grande que, con el tiempo, se perdería la idea de qué era el teatro y se creía que eran plazas en las que los antiguos celebraban fiestas y banquetes. A pesar de esto, sabemos que comenzó a desarrollarse un teatro litúrgico que nace en las iglesias y está vinculado a festividades religiosas.

Auto de los Reyes Magos

rrmm

En Castilla, aparece un testimonio de estas representaciones que es la Representación de los Reyes Magos, siglos XII-XIII aproximadamente. Se trata de un manuscrito compuesto por 147 versos polimétricos. Es un texto fundamental para la historia de la literatura porque es el primer texto teatral en lengua romance, además, posee rimas bastante anómalas en castellano, motivo por el que se cree que esta no era la lengua materna del autor. El nacimiento de esta obra se vincula a la ciudad de Toledo porque, en ella, existía un gran plurilingüismo y esto explicaría la utilización de términos en árabe. La coexistencia de las culturas árabe, judía y cristiana propició la aparición de este tipo de obras.

La obra comienza con un monólogo en el que los Reyes Magos (Melchor, Gaspar y Baltasar) cuentan que han visto una estrella desconocida, creen que esto puede ser una señal del nacimiento del mesías y, por ello, deciden seguirla. Antes de emprender su camino, se detienen en el palacio de Herodes y le narran lo sucedido, este les dice que sigan la estrella aunque se muestra descontento ante la noticia del nacimiento. La obra finaliza con el desconcierto y el miedo de los sabios de la corte de Herodes, puesto que se ha producido un acontecimiento del que no tenían ninguna noticia.  Se cree que el texto podría estar incompleto porque no aparece la escena de la adoración, sin embargo, esto es algo que se podía representar sin necesidad de escribirlo, como consecuencia, no podemos tener la certeza de que el texto que tenemos este completo.

Símbolos

estrella

Uno de los elementos más simbólicos e importantes de esta representación es, sin duda, la estrella. La estrella abre la obra, nos indica que se va a producir un acontecimiento importante, es la guía de los tres reyes. Su aparición supone una sorpresa, la primera palabra utilizada en relación con la estrella es la de ‘maravilla’, que en el léxico medieval significa milagro. Los personajes discuten sobre la procedencia de la misma y, al no saber su procedencia, llegan a la conclusión de que se trata de un milagro, de una anunciación, de la llegada de un nuevo ser encargado de iluminar al mundo. Los tres reyes obsequiarán a este niño con: oro, incienso y mirra, que simbolizan lo terrenal, lo celestial y lo humano respectivamente. Como vemos, cada regalo posee una gran carga simbólica, la estrella es el eje central de la obra y simboliza el paso del tiempo.

Por otro lado, tenemos que destacar la importancia de los personajes, según el simbolismo teológico, el número tres representa la trinidad. Además, es importante señalar que los reyes en su conjunto simbolizan las tres edades del hombre: juventud, madurez y vejez. Esto lo vemos en su apariencia física: por un lado, tenemos a un rey de barba blanca que estaría representando la vejez; por otro, encontramos un rey de barba de color, símbolo de madurez; finalmente, el último rey es imberbe, es decir, está representando la juventud. La barba es la clave interpretativa de este simbolismo.

Espero que os haya gustado nuestra pequeña aportación relacionada con las fiestas navideñas.

reyesmagos-jpg

El villancico

villancico4

El villancico es una forma musical y poética en castellano y portugués, tradicional de España, Latinoamérica y Portugal, muy popular entre los siglos XV y XVIII. En la Edad Media, concretamente finales del siglo XV y principios del XVI, comenzó a revalorizarse la poesía tradicional, y con ello los villancicos. La dignificación de la lírica tradicional se produce en Castilla, donde se escribía y se imitaba este tipo de poesía. Este auge de la poesía tradicional se produce por el cansancio del arte mayor y de la poesía culta.

Generalmente escritos en octosílabos o hexasílabos, con rima asonante y de tema amoroso. Estaban compuestos por un estribillo de dos o cuatro versos, una mudanza y una vuelta o enlace. Al ser un tipo de literatura medieval era transmitida de forma oral, por lo que han pasado a nuestros días gracias a  la escritura. Para facilitar la transmisión oral, el villancico se basaba en las repeticiones, así se facilitaba la memorización. También se cantaba y se acompañaba de música.

musicos_medievales.jpg

Los villancicos medievales están llenos de símbolos de carácter primitivo. Por ejemplo, ir a bañarse, coger flores o lavar camisas quería decir que había un encuentro con la persona amada. Cuando aparece una rosa en el villancico simboliza la virginidad o belleza femenina. Era muy recurrente la fuente o el río por ser un lugar donde podían lavar las camisas, cuando el agua de estos lugares estaba fría quería decir que había un enamoramiento. En cuanto al momento en el que se desarrollaba la acción, si se daba en el alba indicaba que era el momento del encuentro amoroso.

Villancico de Juan Vásquez

Abaja los ojos, casada,

no mates a quien te miraba.

Casada, pechos hermosos,

abaja los ojos graciosos.

No mates a quien te miraba.

Abaja los ojos, casada,

no mates a quien te miraba.

 

Villancico de Gil Vicente

¿Cuál es la niña

que coge las flores

si no tiene amores?

Cogía la niña

la rosa florida;

el hortelanico

prendas le pedía.

Si no tiene amores.

 

La ocasión pérdida de Lope de Vega

Las mañanicas de abril

dulces eran de dormir,

y las de mayo, mejor,

si no despertara mi amor.

En su origen, eran canciones profanas con estribillo que comenzaron a cantarse en las iglesias. Poco a poco el villancico se fue relacionando con  la celebración de festividades navideñas, quedando en la memoria como un género específico de la Navidad. Actualmente, en los países de habla hispana, se llama villancico a un amplio conjunto de composiciones musicales populares de diverso origen, época y estilo. Algunos ejemplos son: Hacia Belén va una burra, Campana sobre campana, Mi burrito sabanero, Ay! del chiquirritín, Ande la marimorena, Los peces en el río. Os dejo un enlace del villancico Ya vienen los Reyes Magos, un anticipo de nuestra próxima entrada que tratará sobre el origen de estos tres personajes.

Ya vienen los Reyes Magos

¡Felices Fiestas y Feliz Año Nuevo!